Hamlet

Spectacle en russe surtitré en français

• Note d'intention

En 1905, Meyerhold, élève de Stanislavski, créait le Studio du Théâtre d'art de Moscou. Plus d'un siècle après, la dernière promotion des jeunes acteurs formés à l'école du Théâtre d'art - sous la direction du metteur en scène et cinéaste Kirill Serebrennikov - a engagé une collaboration artistique ambitieuse avec David Bobee, metteur en scène en résidence au Théâtre National de Chaillot. A l’initiative des Gémeaux, Scène Nationale de Sceaux et du Théâtre National de Chaillot, ils dévoilent leur talent pour la première fois en France dans trois productions d'envergure : deux mises en scène par David Bobee et une par Kirill Serebrennikov.

Quel est le parcours des acteurs qui forment aujourd'hui le « Studio 7» ?

Kirill Serebrennikov : Ils ont suivi le cursus de l'école du Théâtre d'art de Moscou, très atypique en Russie. Leur formation aborde l'interprétation, la dramaturgie, la diction, le chant, l'improvisation, mais aussi la musique et la composition, l'art contemporain, l'engagement corporel, par la danse, la biomécanique ou l'acrobatie. Les étudiants se frottent à toutes les formes du théâtre, depuis les pièces classiques jusqu'à la performance.

David Bobee : Ces acteurs allient une technique de jeu parfaitement maîtrisée, transmise par les meilleurs maîtres, dans la lignée de l'enseignement de Stanislavski, à une grande ouverture d'esprit et une souplesse intellectuelle. Ils font montre d'une créativité, tant individuellement que collectivement, et d'une générosité sur scène qui m'étonnent sans cesse. Invité à intervenir dans l'école, j'ai d'abord travaillé avec ce groupe pour la recréation de Fées, pièce de Renan Chéneau. A leur sortie, ces comédiens ont fondé le Studio 7 et, avec Kirill Serebrennikov, nous avons décidé de poursuivre la collaboration.

Gwenola David, La Terrasse, Juin 2013

Après le succès de sa création française du texte de Shakespeare, David Bobee réadapte pour eux sa mise en scène au Gogol Center. Un spectacle dynamique, à l’esthétique cinématographique porté par l’énergie renversante de ces acteurs russes. Hamlet dans un palais de carrelage noir, un espace dur, froid, humide ; Elseneur en chambre froide. Une morgue cathédrale inondée d’une eau noire. Un espace sombre comme l’intérieur d’un crâne, qui se transforme peu à peu en morgue contemporaine avec tiroirs réfrigérés, tables de thanatopraxie et le corps du père d’Hamlet gisant. La mort dans ce qu’elle a de plus brutal et de moins romantique. Et pas de crâne dans la main d’Hamlet, surtout pas de crâne, juste quelques fragments d’os, un crâne explosé, exposé dont il ne reste rien. Pas de romantisme. Une vanité oui mais du XXIe siècle donc violente et fragmentaire.

Hamlet, pour moi, est quelqu’un qui utilise tous les outils à sa disposition, y compris le théâtre, pour questionner son environnement. Il a des interrogations à la fois intimes et politiques qui résonnent avec ce que j’explore dans mes spectacles depuis toujours : la présence de la mort, du deuil, la catastrophe comme révélateur ou élément perturbateur… Hamlet n’a pas la connaissance, il a l’intuition de la vérité. De mon côté, j’ai l’intuition de ce texte-là, l’intuition qu’il a de grandes résonances par rapport à mon travail, par rapport à moi, et par rapport à notre époque. Le père d’Hamlet est roi, le père d’Hamlet meurt, Hamlet ne devient pas roi. Dès l’ouverture du spectacle, l’ordre du monde – naturel, sociétal, familial, intime – est brisé, bouleversé. Alors, la question « qui suis-je ? » commence à résonner, la naissance de la conscience, de l’individu acteur du monde.

Shakespeare cristallise ici son époque : la fin d’un monde et la renaissance d’un autre. Cela fait sens aujourd’hui : comment agir sur un monde en crise, et en proposer un renversement. Être ou ne pas être revient à dire cela : agir ou ne pas agir. S’engager dans l’action au risque de mourir et de ne plus être ou bien ne rien faire, laisser le monde en l’état, rater sa vie et finalement n’être pas.