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Nos Critiques de la Quinzaine :

Paris sera toujours Paris
Insensé au Théâtre Clavel
Par Karine Blanc
Jusqu’au 28 juillet

En voiture Raymond
Queneau dans l’métro à l’Essaïon de Paris
Jusqu’au 11 juillet
Par David Fauquemberg

La vie n’est pas toujours belle
Gilbert sur scène au Théâtre du Proscenium 
Jusqu’au 12 juillet
Par Karine Blanc

Mémoires d’outre-tombe
Dernières lettres de Stalingrad au Théâtre du Lucernaire
Jusqu’au 3 septembre
Par Catherine Robert

Leçon de fidélité surréaliste
Louison au Lucernaire
Jusqu'au 8 septembre
Par Christina Anid

Y a d’la joie !
Rue de la gaîté, Offenbach au Théâtre des Bouffes Parisiens
Jusqu’au 4 août 
Par Catherine Robert

Sérénade à deux temps pour un Feydeau explosif
Double jeu chez Feydeau, au Théâtre de Nesle
Jusqu’au 31 Juillet 
Par Vladimir Mouveau

Ma jalousie
Mon Isménie au Tremplin Théâtre
Jusqu’au 8 juillet
Par Caroline Delage

Tragédie au clair de lune
Il voulait voir naître une étoile filante au Théâtre Sylvia Montfort
Jusqu’au 12 juillet
Par Joan Amzallag

Paris sera toujours Paris
Insensé au Théâtre Clavel
Par Karine Blanc
Jusqu’au 28 juillet

La pièce d’Emmanuel Keravec nous plonge dans le quotidien d’une administration un peu particulière et nous ouvre les bureaux de la société d’un jeune créateur de mode. A quinze jours du défilé, cette petite communauté est on ne peut plus perturbée par le coup de foudre impromptu entre l’administrateur guindé et un beau coursier au passé sulfureux. On se laisse prendre avec délectation par ce spectacle vif et moderne, qui nous place aux premières loges d’un univers in-sen-sé. 

Majestueusement campé sur la scène du Clavel, un travesti distingué nous accueille avec emphase et ouvre le spectacle avec un sens certain du décalage et de la dérision. Il s’agit de Lucille Macaron, rédactrice de mode sur le retour. Elle plante le décor d’une voix chaude et sensuelle : dans quinze jours aura lieu la présentation des modèles qui permettra à Axel Le Kabuc, jeune fashion-designer, d’entrer dans la cour des grands. 

Elle s’efface avec une théâtralité qu’on jurerait innée pour laisser place au bureau, à priori ordinaire, que Benoît Beauchêne partage avec Barbara Porridge. Il est l’administrateur de la société d’Axel Le Kabuc, elle en est la jeune attachée de presse. 

Ils sont manifestement pris dans le speed de l’avant défilé. Alors que Benoît, en costume cravate sobre et élégant apparaît concentré et studieux, la volubile et excentrique Barbara, caricature de l’attachée de presse parisienne, ne tient pas en place. Comme elle se plaît à le répéter, le défilé a lieu dans quinze jours, ce qui psychologiquement est tout à fait différent de deux semaines. Elle a l’impression que rien ne sera prêt à temps, et elle assimile cette sensation au syndrome du baccalauréat qu’elle explique avec le plus grand sérieux à son collègue de bureau. 

C’est alors qu’intervient un jeune coursier, stoppé dès son entrée dans la pièce par une musique éloquente qui illustre avec ironie son coup de foudre réciproque et fulgurant pour Benoît Beauchêne. Alors que ce dernier est subjugué, Barbara, obnubilée par ses angoisses poursuit ses théories sur le stress, rythmées par des élucubrations sentimentales et vestimentaires. Elle reste prodigieusement aveugle à la rencontre des deux hommes. 

Le ton est donné : tandis que Benoît a l’esprit occupé par ses amours, Barbara entre deux expériences 
« esthético-capillaires », vit dans l’espoir qu’un jour, le couturier regardera dans sa direction pour découvrir leur évidente prédestination. En attendant, elle fait des vers quelle couche sur le papier de son journal intime recouvert de fausse fourrure rose, et traîne dans toutes les soirées, cocktails et autres vernissages dont la vie parisienne est féconde.

La relation qui commence entre Benoît et Olivier, le beau coursier, pourrait être idyllique, si Erik Stanz, photographe free lance, engagé pour les besoins du défilé ne reconnaissait en Olivier le jeune acteur porno, qu’il avait photographié des années auparavant dans des situations plus que compromettantes … Les déboires personnels et financiers du photographe ouvrent la porte aux chantages les plus infâmes qui épaississent la trame et donnent du ressort à l’intrigue.

L’espace est intelligemment mis à profit pour nous faire passer des bureaux de la société au café du coin en passant par l’appartement d’Erik avec une certaine subtilité. Le rythme soutenu de la pièce ne laisse aucun répit aux comédiens qui virevoltent avec aisance dans les coulisses de la mode parisienne au son de la musique branchée de Philippe Cohen Solal.

Mention spéciale pour Charlène Duval qui incarne une Lucille Macaron sulfureuse dont les interventions désopilantes rythment le spectacle de façons tout à fait opportunes. Elle est emblématique à merveille de ce spectacle branché dont l’humour décalé nous baigne d’une ivresse insensée.

En voiture Raymond
Queneau dans l’métro à l’Essaïon de Paris
Jusqu’au 11 juillet
Par David Fauquemberg

Fidèle à la mission qu’il s’est fixé, l’Essaïon de Paris offre une nouvelle création de langue française. On se gardera de dire que celle-là était la plus indispensable, même si le talent et l’énergie des comédiens font plaisir à voir. Jamais jouée encore, « En passant » reste la seule pièce à proprement parler écrite par Raymond Queneau. 

Mais s’agit-il vraiment d’une pièce ? L’auteur travaille sur une situation simple. Un couple, dans le métro, se dispute. La femme rencontre un passant et ces deux-là tracent les lignes d’une idylle qui n’aura pas lieu. Puis on inverse le schéma et c’est l’homme qui s’évade un instant au bras d’une passante. Au bout du compte, ces deux courtes saynètes, pas très abouties, apparaissent plus comme des hypothèses de travail que comme un réel développement dramatique. 

Il faut dire qu’on a tellement vu les Exercices de style servir de prétexte au représentations de fin d’année des clubs-théâtre ... Difficile, dès lors, de passer outre le parfum potache qui se dégage des jeux de mots « queneausiens », de cette langue teintée d’espiéglerie et de pataphysique sans prétention.
D’autant que le spectacle s’ouvre sur quelques-unes de ces pirouettes langagières, rassemblées sous le facétieux titre de Texticules. Certains y verront un motif supplémentaire d’aller voir le spectacle, d’autres y trouveront ses limites. Queneau n’aurait-il pas un peu vieilli ? Ou bien peut-être est-ce nous ?

Les inconditionnels de Zazie seront heureux de descendre une nouvelle fois avec Raymond dans le métro . Il y règne une atmosphère un peu rétro, avec une gouaille et des poses d’avant-guerre, un air de musette en fond sonore, le tout finalement très tendance. Le décor, réaliste et nostalgique, s’intègre parfaitement dans le théâtre, installé dans une cave voûtée.

Comme le souligne Christiane Casanova, metteur en scène de la pièce, En passant a été écrit sous l’occupation allemande et porte l’empreinte des pesanteurs et des espoirs de l’époque. Paradoxalement, l’espace clos et souterrain du métro devient le lieu de toutes les évasions, offrant une parenthèse de liberté où tout est possible, le temps d’un regard. 

A tel point qu’on en vient à se demander si telle n’est pas la raison d’être de la première partie : permettre aux comédiens de se mettre en bouche le texte fantaisiste de Queneau, de se placer les uns par rapport aux autres, et d’apprendre à s’écouter.

Car le seul moyen pour les personnages d’échapper à la morosité qui corrompt tout, ce sont le rêve et la romance à bon marché, condamnés à ne faire « que passer ».
Les personnages naïfs et attachants sont servis par d’excellents acteurs. Ces derniers réussissent le double prodige de donner chair à une histoire pourtant à peine esquissée, et de réjouir le spectateur par leur complicité, l’évident plaisir qu’ils ont à jouer ensemble. 

La vie n’est pas toujours belle
Gilbert sur scène au Théâtre du Proscenium 
Jusqu’au 12 juillet
Par Karine Blanc

Seul en scène, Bertrand Kahn donne la parole à Gilbert, parce qu’il est plus facile de raconter la vie à travers les mots et le corps d’un personnage fictif. Le comédien s’efface devant son personnage, dont les confidences, d’abord maladroites et hésitantes s’envolent progressivement vers une confession intime et touchante où le tragique rejoint le cocasse dans un miroir du quotidien empreint de poésie. 

La petite scène du Proscenium nous livre dans une austère nudité un comédien anxieux à quelques minutes de la représentation. Le public à peine installé exhale un brouhaha étouffé, la porte ouverte de la salle laisse encore passer la lumière du jour, et Bertrand Kahn arpente déjà la scène. Il vérifie les lumières, la hauteur du micro et interpelle la régie pour les derniers réglages.

Il positionne ensuite avec précaution une chaise vide dans un coin du plateau et s’adresse à un personnage invisible qu’on devine assis sur la chaise. On comprendra plus tard qu’il s’agit de son grand-père, à qui il dédie le spectacle. Sur un ultime « Musique ! », le comédien donne le feu vert à la régie, et laisse place à Gilbert, son personnage qui peut raconter ses désirs, ses joies et ses angoisses, sans pudeur, parce qu’il n’existe pas. 

Embourbé dans les petites tragédies de la vie, c’est un Gilbert pathétique qui s’offre d’abord à nous. Prostré dans un coin de la scène, il ose à peine regarder le public, puis nous confie sur un ton hésitant que la manche de sa chemise est sale et que, plus humiliant encore, ses chaussettes sont trouées. Par conséquent il n’enlève pas ses chaussures, parce que : « Qu’est ce que vont penser les gens ? » Bien sûr, il pourrait les raccommoder, mais il faudrait trouver du fil de la bonne couleur, et comme il rentre tard chez lui, le temps lui manque. 

D’ailleurs, tout bien considéré, ce serait pire : que penseraient les gens de ses chaussettes reprisées ? Qu’il n’a pas les moyens d’en acheter une nouvelle paire ? Là réside toute l’étendue du drame intestin de Gilbert : ce que pensent les gens est toujours beaucoup plus terrible que ce qu’ils disent, et comme on ne sait jamais vraiment ce qu’ils ont dans la tête, on imagine le pire. Le pire tue Gilbert à petit feu. 

Il voudrait simplement être lui-même sans être jugé, avoir le droit de ne pas faire comme tout le monde sans ressentir le poids de son anticonformisme. Mais la vie ne lui laisse pas le choix. Emporté dans le tourbillon du quotidien, il est obligé de suivre le mouvement, pour ne pas se sentir encore plus méprisé que sa paranoïa naturelle ne le lui laisse croire. 
Alors, il se laisse entraîner par ses collègues pour un dernier verre à la sortie du bureau. Un dernier verre dont il n’a pas envie, qui se termine par une sordide fin de soirée au comptoir et qui, en plus, lui fait rater son vol-au-vent du vendredi.

Il y a aussi le mariage de sa cousine avec cet homme dont il n’a rien à dire, sinon qu’il a attrapé une grippe l’hiver précédent … ce qui n’empêche pas le pauvre Gilbert de se retrouver sur la piste de danse, « comme tout le monde ! » à se trémousser maladroitement, en tentant désespérément de mimer les gestes des danseurs les plus décontractés. Gilbert n’est pas un danseur de bal avec DJ du samedi soir.

 C’est dans sa tête que Gilbert danse, gracieux et aérien, sur l’air de la vie qu’il voudrait avoir. 
Gilbert est un poète, un rêveur qui valse même avec la mort quand elle vient le chercher dans ses nuits agitées. Les nuits de Gilbert sont aussi torturées que ses jours. Il ne trouve de répit que lorsque l’imaginaire le met sous les feux des projecteurs et qu’il peut chanter dans un tramway bondé pour donner un peu de joie à des passagers moroses. Même si la mort le rejoint encore sous les traits d’une passagère enjouée, Gilbert est libre enfin. 

Parce que la vie n’est pas toujours belle, Gilbert s’échappe vers tous les possibles et nous touche en plein cœur, car derrière lui se cache un comédien habile et touchant, qui ressurgit parfois pour s’adresser à son grand père qui est aussi un peu le notre. Ce pitre désarmant qui nous renvoie à nos angoisses en nous faisant rire à pleurer mérite vraiment qu’on aille faire un détour du côté du Proscenium.

Mémoires d’outre-tombe
Dernières lettres de Stalingrad au Théâtre du Lucernaire
Jusqu’au 3 septembre 
Par Catherine Robert

Voilà désormais plus d’un demi-siècle que dorment sous la lourde terre de Stalingrad les soldats allemands envoyés défendre, aux limites du froid et de l’horreur, un drapeau déshonoré. 
Pions méprisés d’un jeu d’échec cynique et brutal, ces hommes achevèrent leur vie comme des rats, retranchés dans les ruines d’une ville anéantie par le feu et les armes. Au seuil de l’enfer, ils écrivirent d’ultimes missives aux leurs. 
La compagnie Laurent Terzieff ressuscite ceux qui moururent trop tôt et trop loin en mettant en scène ces voix d’outre-tombe.

En février 1943, capitula Stalingrad, marquant ainsi le tournant décisif de la Seconde Guerre mondiale que le camp allié eut alors enfin l’intuition et l’espoir de pouvoir remporter. Juste avant la reddition de l’armée allemande, un avion décolla de la ville en emportant le courrier des derniers soldats de la Wehrmacht qui luttaient encore dans cette souricière glacée. Les lettres furent saisies sur ordre du Führer pour que soit sondé par leur lecture le moral des troupes. 

Dépouillés, inventoriés, classés, ces messages de l’au-delà permirent à une bureaucratie militaire absurde et cruelle d’établir statistiquement l’abomination des massacres, la peine et la douleur des hommes ainsi que l’atrocité de la guerre. 
L’évidence du cœur l’aurait affirmé sans qu’il faille en passer par le viol des intimités et des ultimes mots d’amour, mais le cœur de l’Allemagne avait déjà cessé de battre à Stalingrad. 

Ces dernières lettres du front de l’Est ne furent jamais rendues publiques car le gouvernement nazi les jugea insupportables. Archivées à Postdam, cachées à Berlin, il fallut attendre longtemps avant qu’elles ne resurgissent au grand jour. Parmi ces trente-neuf missives, Laurent Terzieff a sélectionné un bouquet de fleurs de cimetière et a mis en scène leur présentation. Trois acteurs rendent leur voix et leur honneur aux malheureux qui tombèrent au froid. 

Marie Sauvaneix, au centre de la scène, campe une bureaucrate chargée du dépouillement du courrier. Son visage, presque impassible d’abord, se penche sur les piles d’enveloppes. Elle lit d’une voix froide mais où transparaissent bientôt l’émotion, l’angoisse et la compassion, les dérisoires mots d’amour, les encouragements à la famille, les souvenirs du bonheur tranquille de ces hommes éperdus. Par le biais d’un jeu retenu, par le moyen d’un regard qui semble percer derrière la page et parvenir jusqu’aux caves de la ville morte, elle montre le vacillement d’une administration totalitaire devant l’atrocité des actes qu’elle encadre.

 L’actrice semble une Heidi éberluée de découvrir que les si jolis géraniums des balcons bavarois se nourrissent d’un terreau bien fétide, de sang et de colère. Sa lecture, presque mécanique, est relayée par Alexandre Mousset et Stéphane Valensi qui incarnent tour à tour les derniers épistoliers de Stalingrad. 

Figés dans des capotes recouvertes de neige, empesés, glacés, immobiles dans le froid, ivres de résignation ou de colère, ils sont les voix de cette polyphonie douloureuse. Par le regard et par les mots, ils se font les échos fiévreux de ces ultimes combattants de l’inutile.
 A l’instar de la mise en scène, leur jeu est extrêmement économe et fait naître une tension et une émotion parfois aux limites du supportable. Les loups hurlent en fond sonore, le bruit des mortiers ponctue les tirades, la lumière rouge du fer et du sang tombe des cintres. 

Défilent devant nous ces héros qui s’éteignirent dans  l’épouvante. 
Un pianiste dont les moignons lui interdisent à jamais de retrouver son instrument raconte comment il a entendu renaître Beethoven dans Stalingrad, sur les touches d’un piano retiré des ruines. Un astronome espère pouvoir bientôt rejoindre les étoiles qu’il a longtemps étudiées. Un officier tout de rigueur prussienne se raidit dans l’honneur tragique de sa caste et de son rang. Un tirailleur cynique compte la différence entre ses munitions et les cibles qui l’attendent. Un aumônier extasié fait le récit de la nuit de Noël 42 et loue un Dieu que d’autres fustigent et insultent pour les avoir abandonnés en enfer. Les critiques pointent contre        « Monsieur Hitler » et sa folie de vouloir tenir contre les Russes.

Les corps en miettes, amputés, déchirés, affamés, affaiblis s’arc-boutent dans les hôpitaux de campagne où l’on ne soigne que les moins atteints. Meurent les camarades, meurt l’espoir du retour, meurt la foi en l’Allemagne, ses dirigeants et son Dieu ! 

Restent l’amour d’une femme, celui d’une maîtresse, demeurent le souvenir des enfants et le désir de les voir grandir droitement : les adieux sont déchirants et viennent se briser contre le deuil obligé du pays, du bonheur et du passé. Un très beau texte de Brecht, daté de 1942 vient conclure l’évocation de cette guerre et de sa part maudite et si longtemps occultée. Il dit le souvenir ému des collines allemandes, de la sérénité des paysages pacifiques et la douceur d’un Heimat perdu à jamais.

Les Dernières lettres de Stalingrad sont bien sûr un plaidoyer contre la guerre. Mais ce spectacle ne se réduit pas à cela. Il signifie aussi que tout bonheur se mesure au moment de sa perte et que l’existence n’acquiert tout son sens qu’au point de son achèvement, dans la mesure où le récit des combats alterne toujours avec l’évocation des jours heureux. 

Les derniers soldats d’une armée en déroute en firent l’amère expérience à Stalingrad. En composant le mémorial de leurs peines, ils ressaisirent leurs vies dans leurs mains gourdes et tremblantes. 
S’ils montrèrent que les hommes, même acculés, ont toujours plus d’honneur et de dignité que les rats, si la voix de Laurent Terzieff et la présence intense de ses comédiens en témoignent sur la scène du Lucernaire, c’est que, même au comble de l’horreur, la quête du sens de la vie n’est pas vaine. 

Leçon de fidélité surréaliste
Louison au Lucernaire
Jusqu'au 8 septembre
Par Christina Anid

Dans une ambiance Bal des vampires un peu techno, l'univers acidulé de Justine Heynemann insuffle une nouvelle jeunesse, étonnante et un peu folle, au texte écrit par Musset en 1849. Après avoir mis en scène Schnitzler, Molière et Koltès, la jeune Justine s'attaque à Musset. Rythmée par une musique entêtante, sa version de Louison ressemble à un clip.

Dans un décor de dentelle original et agréable, Louison vêtue d'un costume un peu clownesque s'éveille au son d'une musique synthétique envoûtante. Une chaussure à la main durant la quasi-totalité de la pièce fait d'elle une cendrillon éternelle. 
Le mélange des genres étonne ici au premier abord.

Louison nous séduit sous les traits d'Estelle Vincent qui joue avec sensualité et pudeur le rôle d'une camériste tentant de résister aux assauts de son maître. Même si la mise en scène manque un peu de consistance, son audace amuse et surprend.

Sur scène, deux hommes et surtout trois femmes, Estelle Vincent, Judith Morisseau, Carmen Avila, respectivement la maîtresse potentielle, l'épouse et la mère de l'époux rayonnent. Dans des registres très différents, les femmes sont à l'honneur.

La mise en scène est pleine
des références d'une génération : d'Alice au pays des merveilles  
au plus récent Roméo et Juliette de Baz Luhrmann.
Cette vision nous rappelle 
l'age tendre des protagonistes de l'histoire, égarés dans les épanchements violents de la fin 
de l'adolescence. 

Le symbolisme est très fort et le classicisme du texte se mêle harmonieusement aux fantaisies, aux rêveries de l'imagination si contemporaine de Justine Heynemann.

Avec un modernisme très riche, ce drame classique ravive la flamme ternie d'une valeur morale que l'on pensait un peu démodée : la fidélité.
Un happy-end presque à l'américaine nous fait sourire avant le retour de la lumière. Décidément, ce mélange des genres est plutôt réussi.

Y a d’la joie !
Rue de la gaîté, Offenbach au Théâtre des Bouffes Parisiens
Jusqu’au 4 août
Par Catherine Robert

La Belle Hélène et la Grande Duchesse de Gérolstein, Coppélius et Dapertutto, Robinson Crusoé et Monsieur Choufleuri arpentent les planches des Bouffes Parisiens sous la houlette de Michel Frantz qui les guide d’un piano malicieux. La troupe de Rue de la gaîté nous offre un florilège plaisant des grands airs de l’œuvre d’Offenbach. Avec verve et bonne humeur, sont ressuscités pour un soir les héros drolatiques et tendres du maître de l’opérette. Sus à la gaîté !

Reproduits sur de grands cartons comme dans un spectacle de marionnettes, les différents théâtres parisiens où officia Offenbach campent le décor de la pièce.
L’intrigue est assez simple : il s’agit d’évoquer la vie et les œuvres d’un des compositeurs les plus prolixes et les plus inventifs de sa génération. 

Dans un coin, assis au piano, Michel Frantz, auteur et interprète sautillant, empruntant les favoris et l’accent allemand du maître, 
soutient et accompagne les quatre chanteurs qui viennent lui donner la réplique. 
Sont ainsi mis en scène les démêlés du compositeur avec les divas hystériques, les administrateurs des théâtres, 
les domestiques et 
les bourgeois qui l’entourent et même avec son coiffeur, intronisé critique musical le temps d’une indéfrisable ! 

Le burlesque et la fantaisie sont omniprésents : Offenbach jette aux orties le sérieux tragique et la componction de l’opéra et du théâtre classiques. Il insère des notes dans les silences des déclamations de Mademoiselle Rachel à la Comédie Française, il vante les mérites du champagne qui fait tourner les têtes et chavirer les cœurs et il va jusqu’à faire l’apologie du jambon de Bayonne, des rillons et des rillettes… 

Major, gantière et bottier, Brésiliens et Espagnols (qui, eux, savent aimer !) défilent avec entrain et allégresse sur la scène. On assiste ainsi à un savoureux éloge de l’opérette, ce genre souvent considéré comme mineur, mais qui réconcilie si bien la légèreté et le talent. 

Les moments de franche rigolade alternent avec des moments plus graves, où affleure l’émotion. La sensibilité d’Offenbach se révèle alors dans des chants d’amour purs et mélodieux : l’esprit peut se moquer de tout sauf du cœur.

Si Offenbach est bien cet insolent qui amusa et railla le Second Empire, son masque tombe quand il s’agit d’évoquer les sentiments. Le compositeur apparaît alors dans toute la complexité de son humanité et une vraie bonté perce sous son ironie.

Michel Frantz a su s’entourer de chanteurs dont le talent n’a d’égal que l’abattage.
Elisabeth Conquet passe de la soubrette malicieuse à la diva capricieuse avec un entrain formidable. 
Ses trois compères, Philippe Ermelier, Christian Dassie et Rodrigue Calderon lèvent la gambette avec brio. 
Ils sont, grâce à une énergie 
débordante, tour à tour valet, coiffeur, gueux et bourgeois, guitariste andalou,
et bien évidemment major de la Duchesse ! 

Maintenant que le soleil est revenu sur Paris, il est temps d’accorder nos loisirs à la bonne humeur du moment. Qu’on se laisse donc aller au rire, à la gaîté et la fraîcheur virevoltante de l’esprit d’Offenbach qui revient pour l’été hanter le théâtre qu’il occupa après avoir quitté la Comédie Française et qu’il baptisa Les Bouffes Parisiens !

Sérénade à deux temps pour un Feydeau explosif
Double jeu chez Feydeau, au Théâtre de Nesle
Jusqu’au 31 Juillet
Par Vladimir Mouveau

L’une derrière l’autre, ces deux pièces de Georges Feydeau sont deux moments de détente agréables, deux interstices excentriques dans l’œuvre fine et structurée de l’auteur. Curieusement, ces deux pièces trouvent ici une forme un peu différente d’interprétation : plutôt que d’être face à l’humour fin et décalé de Feydeau, tout construit sur le quiproquo et la farce, on se retrouve en présence de deux quasi-sketches à la drôlerie grossière et détonante.

Dans la cave du petit Théâtre de Nesle, le décor est planté comme il y va de coutume pour une pièce de Georges Feydeau : un intérieur chaleureux de salon bourgeois où se produisent plusieurs comédiens à l’énergie utile. Les costumes sont riches, l’atmosphère complice et le parquet, même s’il ne sent pas la bonne cire d’abeille d’un costaud pin landais, se fait piétiner bon train par une brochette de comédiens à la gestuelle survoltée.

La première pièce raconte l’histoire d’une femme de notable qui se promène en tenue décontractée chez elle, et qui, par son insouciance presque malveillante, massacre les ambitions arrivistes de son mari.

Elle va nue, de long en large dans l’appartement. 
Elle prie le maire de la circonscription dans laquelle son mari député a puisé ses nombreuses voix de lui sucer les fesses pour faire disparaître la piqûre d’une guêpe malintentionnée, etc.

La seconde pièce campe un domestique hypnotiseur qui, par son talent, se paie les services de son maître et des amis de son maître pour toutes les tâches ménagères de la maison et l’arrangement de ses affaires. Il montera un jeu de rôles infernal avec la complicité d’un autre valet et finira par tomber lui même sous le coup de son propre pouvoir.

Les deux représentations sont dynamiques et clownesques. Contrairement au Feydeau rigoureux, les comédiens cette fois singent véritablement leurs rôles et mettent en branle les planches pour aviver le comique de leurs gestes.
 Ils font des grimaces, hurlent, se courent après, sautent en tous sens.

Ils perdent même leurs fausses moustaches, l’un son col de chemise … c’est tout juste si la petite culotte de Clarisse Ventroux (Laetitia Lefebvre) lui tient encore délicatement sur son joli postérieur.

Les comédiens ne sont pas excellents de talent. On notera la belle prestance de trois acteurs cependant : Philippe Cavalaria, Gaëlle Durand et Laetitia Lefebvre. Tous trois emplissent à merveille les rôles caractériels et explosifs du spectacle; ils sont tordants. Particulièrement Laetitia Lefebvre. Elle est tordante.

La pièce est finalement un condensé de bonne humeur au look un peu « Buster-Keatonien ». Si le travail ne respire pas la précision d’un vaudeville gigantesque calé au millimètre, il reste néanmoins un bon moment de détente.

Ma jalousie
Mon Isménie au Tremplin Théâtre
Jusqu’au 8 juillet
Par Caroline Delage

Une intrigue des plus classiques, un dénouement attendu. Du Labiche sans surprise. Mais la fraîcheur et la bonne humeur des acteurs vous feront passer un agréable moment de détente. 

Une fille soumise, un prétendant épris, un père jaloux qui s’oppose au mariage, une tante qui le favorise, et une bonne. Voilà une synopsis bien peu originale. Bien entendu, tout est bien qui finit bien, tous les subterfuges déployés par le paternel aigri vont se retourner contre lui, la tante, bien que naïve, ne s’y laissera pas prendre, et le jeune homme averti finira par obtenir la main de sa bien aimée … Une comédie de mœurs comme Labiche sait les faire, courte, enlevée, drôle et divertissante.

L’histoire est connue, mais on prend plaisir à la revoir. On goûte cette peinture narquoise de la bourgeoisie du début du siècle dernier … Et puis quel père, aujourd’hui, n’est pas jaloux de son gendre, et lui cède sa fille sans aucune amertume ?

Quant aux comédiens, ils sont remarquables. Ils interprètent avec gaîté et entrain des rôles parfaitement caricaturaux. Plus drôle, et moins méchant qu’Arnolphe, dans l’Ecole des Femmes, le père est d’une mauvaise foi incroyable, et détestable à souhait. 

A l’image d’Agnès, la jeune fille est timide et ingénue, la tante est bonne et influençable, le prétendant est assez malin pour ne tomber dans aucun des pièges tendus par le beau-père mais se montrer charmant aux yeux des femmes. Quant à la bonne, elle est friponne et corruptible. 

Le caractère de chaque personnage est parfaitement restitué, dans une mise en scène simple et claire. Les intermèdes musicaux, exécutés avec beaucoup de bonne humeur - ce qui fait passer les fausses notes presque inaperçues… - accentuent la légèreté et la fraîcheur du texte.

Quartier des Abbesses, dans ce chaleureux petit théâtre, on redécouvre avec plaisir le charme badin du théâtre vaudevillesque.
Coup de chapeau aux comédiens, qui ont joué, chanté et dansé avec un professionnalisme et un aplomb incroyables devant un public trop peu nombreux !

Tragédie au clair de lune
Il voulait voir naître une étoile filante au Théâtre Sylvia Montfort
Jusqu’au 12 juillet
Par Joan Amzallag

Il voulait voir naître une étoile filante fait parti des créations de l’auteur Philippe Faure, qui s’est déjà illustré pour sa mise en scène conceptuelle de l’adaptation au Théâtre Sylvia Montfort des « Liaisons Dangereuses ». Le texte véhicule de nombreuses idées mais elles n’aboutissent jamais.

Philippe Faure est un auteur et un metteur en scène qui aime jouer sur les silences et sur l’espace scénique.
Pour cette création qu’il a lui-même écrite, il transforme la scène du Théâtre Sylvia Montfort en gigantesque pré suspendu à la forme d’un éclair. L’idée est audacieuse, la pièce se joue donc sur deux niveaux.
L’action se joue de nuit, à la belle étoile, dans un calme terrifiant pour le spectateur et propice au drame. L’atmosphère est plantée. 

On s’attend à tout : le moindre bruit peut devenir menaçant.
Trois campeurs : un père, son fils autiste et sa nounou décident d’aller pique-niquer à la belle étoile pour observer les étoiles filantes.
Le dialogue a du mal à s’instaurer entre la jeune femme mal à l’aise et le père convaincu d’élever son fils handicapé comme il le faut. La nuit s’annonce propice aux règlements de compte et finalement à une bonne entente entre les protagonistes jusqu’à l’arrivée inattendue d’un chasseur d’étoile filante …

Les images et les symboles se multiplient dans ce texte très poétique : la tragédie d’un fils autiste que l’on regarde évoluer sur scène dans un mutisme souvent dérangeant, la solitude et les craintes d’un père devant le handicap irréversible, la relation père-fils toujours difficile à s’instaurer, et la symbolique de l’étoile filante, belle métaphore du reflet de l’âme humaine.

Si le texte impose évidemment de nombreux silences entre les personnages, la mise en scène elle, en joue beaucoup trop. Difficile donc, de s’approprier les situations et les sentiments exaltés par les différents personnages, tant ils restent statiques dans leur jeu.
Seul Philippe Ogouz ( le père ), vieux routier du théâtre et du cinéma, arrive à imposer sa présence par une élocution parfaite et une énergie débordante.

A côté d’un tel comédien, les deux autres acteurs ont du mal à faire le poids, notamment cette jeune lyonnaise Anne Laure Pommier qui en est à ses débuts sur scène.
Malgré les bonnes idées de mise en scène et la portée intrinsèque du discours, le jeu d’acteurs est loin d’être convaincant.