Charly et ses drôles de… petites chiffonnières
Fermée pour inventaire, au théâtre Dunois
par Vladimir Mouveau

Retraite mode d’emploi : deux versions de la vie
Loin d’Hagondange et Faire bleu, au Théâtre de la Commune
Par Marie Fine

Shakespeare en fête et en musique
La Nuit des Rois, à l’Espace 89
Par Marie Fine

Une Nuit tourbillonnante et légère
La Nuit des Rois, au Théâtre du Lucernaire
Par Marie-Brune Mauvernay

Stances de la trace
…d'un Faune (éclats), au Théâtre de la Cité International 
Par Cyril Carret

Une magistrale distillation de caricature et de réalité
Les Fourberies de Scapin, au Théâtre Fontaine
par Fabrice Rolland

Prucnalissime Anna
Ma sœur, la vie, au TILF
Par Jeanne Le Gallic

Catharsis-Spectacle
Le monde à l’envers !, au Théo-Théâtre
par D.Bailly

Petites médisances entre amis
Isma ou ce qui s’appelle rien, au Théâtre de la Tempête-Cartoucherie
Par Jeanne Le Gallic

Maléfique Ubu !
Ubu, au théâtre de la Cité Internationale
Par Vladimir Mouveau

Charly et ses drôles de…  petites chiffonnières 
Fermée pour inventaire au théâtre Dunois
par Vladimir Mouveau

Ce sont quatre jeunes et jolies filles, inspirées chacune par un talent différent ; l’une est clarinettiste, l’autre joue du piano, les deux dernières sont à tour de rôle plasticienne et marionnettiste ; quatre belles et adorables créatures, débrouillardes et bricoleuses jusque dans le bout de leur doigt, qui nous servent, pour le temps d’une soirée, un conte pour enfants merveilleux…

« Fermée pour inventaire » est une œuvre de fiction, construite de toute pièce par quatre adorables petites actrices, sorties de la gaucherie bien avant l’âge...

La scène est affublée d’une sorte de manège pour enfants du siècle dernier, fabriqué par les comédiennes elle-mêmes, en toiles de tissus, contreplaqués et colifichets en carton-pâtes, mouluré, décoré et vernis comme au temps des distractions de nos grands-parents. Les costumes sont de confection maison jusqu’aux marionnettes que les filles se sont attachées à fabriquer elle-mêmes. 
Deux petits postes de garde en bambous, de part et d’autre de la scène enchantée, abritent les deux musiciennes. Ces dernières se chargent des « effets spéciaux » de la pièce tandis que les marionnettistes, sur le manège, dans le manège, et autour de ce dernier, font vivre la mise en scène. Les musiciennes bruitent, lancent les musiques, activent les éclairages, et prennent même part à l’histoire puisqu’elles disent tout haut les « pensées » des personnages, chantent lorsqu’il faut accompagner leurs tristesses ou leurs joies. On se croirait dans une salle de classe de maternelle, recomposée artistiquement par le talent de grands professionnels du spectacle.

L’histoire est celle du temps et de la vie, du rêve ; deux frères inventent une machine à arrêter le temps lors des rêves, afin de redonner à ces derniers la place qu’on leur prend si hardiment dans une société « minutée » par la folie humaine, par l’exercice de la compétition et du rendement. C’est une série de circonstances qui se passe dans un décor plus imaginatif encore qu’une toile de Dali et qui évoque la perversion de la société moderne, ses abus.

Le jeu des marionnettistes est rigolo. Deux univers se juxtaposent : Celui des rêves, lorsque les deux frères se retrouvent à voyager dans le rêve ; on a alors affaire à un jeu de marionnettes de tailles réduites, et celui de la réalité, lorsque les frères sont au dehors de la machine, dans la vraie vie ; on se retrouve alors avec le jeu des actrices elle-mêmes, portant juste en guise de « marionnettes » au bout des mains, le masque de leur personnages. Leurs vraies têtes et le reste du corps est caché par des vêtements et toiles noires. L’effet de cette mise en scène est surprenant. S’il choque au départ par la nouveauté peu commune de sa conceptualisation, il finit par véritablement s’imposer au spectateur comme un genre théâtral tout à fait nouveau et intelligent. C’est une véritable petite révolution dans le monde du spectacle que ces drôles de fille ont initié… Leur maîtrise de l’art théâtral et du rythme, du jeu et des effets spéciaux est aussi incontestablement sans comparaison dans l’univers du spectacle. Les artistes terminent leur « show » en se regroupant toutes les quatre sur le devant de la scène et en entonnant elles-même, en manière de salutation finale au public, une chanson de remerciements et les vœux de bons souvenirs pour leur création…

On est charmé, du début à la fin de la représentation. Ce sont vraiment de drôles de petites chiffonnières…nom de leur compagnie.

Laurent Terzieff, Le fils Courage
Bertolt Brecht poète au Théâtre Molière-Maison de la Poésie 
Par Serge Latapy 

Mettre en bouche et en espace une partie de l’œuvre poétique de Bertolt  Brecht, singulièrement méconnue en France c’est l’ambition de Laurent Terzieff, acteur altruiste et vampirique, qui porte à bout de bras l’essentiel de cette  performance. 

Bertolt  Brecht n’est pas seulement ce dramaturge incontournable, unanimement reconnu mais assez peu joué en dépit de son statut d’inventeur d’un nouveau théâtre et de son  accession au rayon des classiques-contemporains. Il est aussi l’auteur d’une vaste œuvre poétique, pour le coup quasiment méconnue en France. Le mérite de Laurent Terzieff est de ressusciter ce verbe en donnant, en une quarantaine de courts extraits, un aperçu de cette production multiforme. Personne sans doute, n’était plus qualifié pour ce faire, que cette figure emblématique du théâtre expérimental, bref que ce digne héritier (entre autres prestigieuses filiations) du maître allemand qu’il a connu et pour lequel il brûle d’une flamme toujours ardente – ceux qui se porteront à la Maison de la poésie ne tarderont pas à s’en apercevoir.  

Des premières pièces de jeunesse à la maturité de l’auteur (1915-1944), le montage de Laurent Terzieff fait ainsi découvrir une œuvre ludique ou plus sombre, surprenante. On se dit à l’écoute que Brecht a peut être conduit sa poésie comme son théâtre, habillant un propos parfois complexe de mots toujours simples, faisant mine de respecter un art très maîtrisé pour jouer de subtiles distorsions, d’étranges dissonances. De la comptine à la chanson de marin, de l’ode au journal, on retrouve ce souci de mettre la forme à distance, d’ancrer ses mots dans son temps, dans la noire réalité de l’exploitation universelle, l’exil ou la guerre. On ressent la solitude de ce perpétuel émigrant, dont l’extrême lucidité se fait étrangement prophétique. On découvre aussi, le long de ce qui peut s’apparenter à un carnet de bord poétique, un aspect plus intime de l’homme, cynique ou tendre, orgueilleux ou pudique, pessimiste ou utopique. 

 La mise en espace de Laurent Terzieff, sobrement classique, vise à coller au plus près au texte. Le plateau et les corps de ses deux compagnons de route (Pascale de Boysson et Philippe Laudenbach) sont plongés dans l’obscurité, tandis qu’une poursuite lumineuse se fixe sur les visages qui s’appliquent, avec une relative économie de moyens, à restituer la fluidité du langage. Le découpage des figures et leur projection dans l’espace suffit alors à rendre à l’ensemble une teinte plus expressive, rehaussée parfois de quelques illustrations sonores, bruits de fond ou petites musiques se mariant assez bien avec la musicalité de Brecht (du moins, telle qu’elle est restituée dans la traduction utilisée, dont l’auteur, curieusement, n’est pas nommé). Tout cela passe assez bien, même si les deux partenaires du metteur en scène, un peu trop monocordes, ne forcent pas trop ni leur talent, ni le texte. 

Reste Laurent Terzieff, superbe et généreux, qui porte à bout de ses long bras ballants l’essentiel de la performance. Laurent Terzieff avec son visage en forme de manifeste expressionniste, son souffle épique et sa présence, tellement envahissante qu’elle devient porteuse d’un sérieux effet de distanciation. Laurent Terzieff altruiste et vampirique, revigorant et maladif, enthousiasmant et inquiétant, peut-être aussi timbré que sa voix d’outre-tombe. Laurent Terzieff rendant hommage à Bertolt Brecht, consacrant cet auteur mythique et participant aussi, peut-être sans le vouloir, à sa propre mythification.   

Retraite mode d’emploi : deux versions de la vie
Loin d’Hagondange et Faire bleu au Théâtre de la Commune
Par Marie Fine

Comment faire face au temps libre de la retraite quand on n’y est pas préparé ? L’auteur et metteur en scène J. P. Wenzel propose un diptyque naturaliste sur deux façons d’aborder cette période de l’existence, à vingt-cinq années d’intervalle. Sans pathos, il présente un portrait impitoyable du monde ouvrier confronté à l’angoisse du vide. Deux pièces à voir absolument, dans l’ordre et à la suite.

Il est en effet possible de ne voir qu’une pièce un soir, mais l’ensemble proposé ici ne prend réellement sens que dans la continuité et l’affrontement de ses deux parties. La première pièce Loin d ‘Hagondange a été écrite et présentée par Jean-Paul Wenzel en1975 et reprise peu de temps après par Patrice Chéreau au TNP, bouleversé par « l’histoire de deux personnes qui n’ont pas d’histoire - deux personnes comme on en voit peu au théâtre : les auteurs les convient rarement sur un plateau... » Cette pièce relate le désarroi d’un couple de retraités, anciens ouvriers des sidérurgies d’Hagondange, fraîchement installés à la campagne, et n’ayant aucun repère face à ce nouveau temps, ce nouveau mode de vie qui leur est accordé. 

Désemparé, l’homme recrée dans sa maison, la structure même qui l’a contraint sa vie durant : son atelier, dans lequel il passe de plus en plus de temps « son usine » dans laquelle il se rend à heure fixe et en tenue d’ouvrier. Il s’agit pour lui de structurer ce vide auquel il n’a pas été préparé, et son seul modèle, sa seule alternative semble être la reproduction de ce qu’il a toujours connu. Comme il le proclame lui-même, tant qu’il travaillera, cela signifiera qu’il n’est pas mort.

L’auteur enferme ce couple désemparé dans des situations simples, présentées sous le mode naturalisme : tout semble réduit à une quotidienneté très peu théâtrale : les repas, et la qualité des rillettes, les distractions artificielles, l’achat d’un feu de cheminée factice en plastique-les nuits, passées à observer les mouvements lents du réveil. Les scènes très brèves se succèdent dans une grande simplicité, comme si l’auteur cherchait non pas l’événement, l’acte théâtral, mais justement ce qui s’y oppose, la naissance du rien, de l’ennui. Des petites tranches de vie non spectaculaires donc, mais qui petit à petit imprègnent le spectateur d’un malaise indécis : on ne sait plus si cela sonne très faux ou terriblement juste, si les silences et les chansonnettes qui se succèdent ne sont pas finalement les plus purs spectacles du désespoir de la vieillesse.

 L’aliénation au travail était la réponse proposée en 1975 par l’auteur à cette question de la retraite subite des ouvriers. En 2000, Jean-Paul Wenzel propose une nouvelle version de cette période étrange de la vie.

 Faire bleu La deuxième pièce présente un autre couple d’ouvriers, qui pourraient être les enfants du premier, vivant loin d’Hagondange une retraite difficile. L’ancien site des mines a été remplacé par un parc Shtroumpf et ce sont les enfants des anciens sidérurgistes qui y travaillent... Vêtus de bleu. La gestion du temps libre a changé : l’homme a transformé l’atelier en vidéothèque et passe ses journées devant des cassettes vidéos qui le sortent de sa réalité. La distraction à outrance permet de compenser le vide, et qui a dit qu’un roi sans divertissement était un homme plein de misère ? L’homme s’intéresse au monde, à sa naissance, au cours des étoiles, rattrape le temps perdu à ne pas savoir et court littéralement après lui. Toujours en jogging, proche de son vélo d’appartement, il accrédite les publicités modernes sur « la deuxième jeunesse de la retraite ». 

Quel est le plus grand leurre ? Courir après le temps perdu ou nier, comme en 1975 qu’un temps nouveau était accordé ? L’auteur ne tranche pas ; il met face à face deux façons de vivre, apparemment éloignées, et pourtant... Par un dispositif scénique ingénieux, le décor de la première pièce est simplement inversé : même pièce nue, même toile bleue artificielle pour signifier le ciel bleu de la campagne. Seul, le bar américain a remplacé la table de cuisine et la télévision la gondole vénitienne. On n’entend plus le tic-tac du réveil mais le ronron rassurant du lave-linge. Par de simples petites transformations, l’auteur en dit plus sur l’évolution de la société que bien des discours. Le travail de transformation des comédiens en est le parachèvement. Leur corps semble s’être adapté à l’époque : ce sont les mêmes que dans la première pièce et pourtant tout en eux raconte une autre existence. Monique Brun, fatiguée dans sa blouse des années soixante-dix, vieillie par une coiffure grise informe, sacrifie au jeunisme actuel dans la deuxième partie : moulée dans des vêtements fantaisie, elle arbore un brushing auburn flamboyant qui lui ôte dix ans... Un seul corps pour deux époques et nous pouvons lire à travers elle l’évolution du regard que la femme porte sur elle-même depuis 25 ans. Dans le dynamisme de son corps et le souci de sa ligne, ce n’est pas simplement une coquetterie que nous percevons, mais bien le rapport nouveau à sa propre identité que cette femme entretient. Olivier Perrier n’est pas en reste, qui passe du papi tranquille, gros velours et chemise à carreaux, au « senior dynamique » des publicités, zappant en éternel jogging du matin jusqu’au soir. Rien ici n’est anecdotique, car la recherche d’une apparence correspond aux mouvements profonds de la personnalité.

Après une crise violente, on retrouve le personnage, fantomatique dans ses habits blancs, ayant gagné en quelques jours les années qu’il s’acharnait à perdre auparavant. Le geste las, une parole rare, tout fonctionne comme un signe de mort sociale, de mort à soi. Les comédiens sont ici d’une force exceptionnelle : leur façon d’habiter le silence, ou de regarder les petites choses est d’autant plus fascinante qu’elle est extrêmement périlleuse. Il est dur d’incarner cette inaction au théâtre, d’accepter de n’être rempli que par la projection du spectateur, de ne pas proposer une partition éblouissante. Mais il n’y avait pas d’autre manière de faire parvenir ce texte dense et la simplicité du jeu n’a d’égale que sa réussite. Il faut voir ces deux pièces, l’une après l’autre et dans l’ordre, car ces petites phrases qui semblaient anodines dans la première partie trouvent leur sens dans leur répétition 25 années plus tard. On nous dit que tout a changé, que le monde du travail a su donner une place et une dignité à ses retraités, mais rien n’est moins certain, et ces deux pièces agissent en cela comme un coup de fouet.

Enfin, la version intégrale proposée le week-end permet aux spectateurs de se réunir autour d’un repas -potée et fromage- entre les deux spectacles. Une façon chaleureuse de discuter avec son voisin de table de sa famille et de notre perception du temps qui passe... Avant que le temps ne nous rattrape dès le début de la deuxième pièce !

De la chair en enfer
Huis clos au Théâtre Marigny
par Eléonore Van den Bogart

Quels drames ont-ils commis pour en arriver là ?
Un homme, deux femmes, trois personnalités admirablement dessinées. Seule Claire Nebout dans le rôle d’Ines, lesbienne maîtresse femme, a tendance à en rajouter. Un personnage typé sur un physique naturellement typé suffirait amplement. Il est dommage qu’elle s’abandonne à ce  " jeu pléonasme ".
Un portier livide, glaciale, implacable, (Yves le Moign’) dresse le tableau : tout est simple, beaucoup plus simple qu’on ne l’imagine.
Chacun de ces damnés se retrouve face à face et pourtant seul chacun, derrière son propre mensonge. Les jeux sont en demi-teintes, de vraies fausses émotions cachant quelques vraies faiblesses humaines. Montre-moi tes yeux, que je lise ton âme…L’attaquant attaqué se protège, puis attaque à nouveau qui par ses charmes, qui par ses armes… Nous tombons tous dans le piège de la conscience des autres. Le rythme est soutenu, comme un nerf bandé, comme une peur, à vif, soutenu comme la vie faite de chair et de sang.
Parce qu’il s’agit bien de vie.

Claire Borota excelle dans ce personnage minaudant, charmeur, prête à tout pour un peu d’amour. Une Estelle légère, qui s’enivrait de superficialité sans peser le poids des conséquences. Elle nous touche et nous révulse tour à tour. Dans ce nouveau domaine, au delà de la mort, pas de miroirs (pauvre Estelle), pas de fenêtres, pas de lit puisque ici on ne dort pas.

On jouit à l’état brut ou on faiblit à jamais. Dans cet espace clos, sans issus, sans espoir, nos trois personnages porteront éternellement tout le poids de leur peine et l’auteur de la Nausée de dire " L’enfer c’est les autres ", point sur lequel Robert Hossein n’hésitera pas d’appuyer.
Une bande audio de Sartre pour tout argument introductif nous place, nous, spectateur, en position d’observateur. Notre jugement brutal vient alors se rajouter à ce jugement dernier, il s’abat irréversiblement, à notre insu, sur nos trois protagonistes. Cette interactivité continue vient s’inscrire dans l’intemporalité de l’œuvre, comme une touche supplémentaire.

Le schéma fonctionne à merveille, et l’on s’implique... et l’on finit par juger.
Robert Hossein agit en amoureux de la langue et dans le plus grand respect de l’auteur à tel point que ce n’est plus le Huis-Clos de Hossein auquel nous assistons mais bien à celui de Sartre.
Il n’est qu’un intermédiaire, nous ne sommes tous finalement que des intermédiaires.
Le metteur en scène et les acteurs nous lient ainsi à leur cause. Nous avançons avec eux, main dans la main, jusqu’aux derniers mots  que l’on aimerait bien pour une fois prendre au mot.

-" Eh bien continuons … "

Shakespeare en fête et en musique
La Nuit des Rois à l’Espace 89
Par Marie Fine

Une des plus belles comédies de Shakespeare sur le sentiment amoureux, servie par une troupe enthousiaste et généreuse qui fait la part belle à l’inventivité scénique et à la musique. Celle-ci, écrite entièrement pour le spectacle, est interprétée sur scène par de talentueux musiciens. Un spectacle gai et allègre, qui renoue avec la tradition populaire du théâtre élisabéthain.

« La Nuit des Rois, ou ce que vous voudrez » annonce Shakespeare en guise de titre. Et ici le sous titre pour le moins énigmatique est à prendre au pied de la lettre. Nul roi dans cette intrigue _le titre provient du nom du soir durant laquelle la pièce devait être jouée originellement, la nuit des rois, ou l’Épiphanie _ mais un entrecroisement d’hommes et de femmes en quête d’amour et de reconnaissance. Chacun pourrait définir la pièce selon l’axe qui le touche le plus : s’agit-il d’une pastorale naïve, relatant la séparation et les tendres retrouvailles d’un frère et d’une sœur séparés par le destin  ou d’un conte sur la cruauté de l’amour, dans lequel chacun aime en vain celui qui lui échappe ?
On pourrait aussi bien privilégier une farce moqueuse sur la vanité des hommes et leur dur châtiment... Les intrigues se mêlent et c’est la force de cette mise en scène que d’avoir su dégager une cohérence et une grande lisibilité à ce motif complexe. En privilégiant un espace simple et fonctionnel tout d’abord, puisque le cercle : mémoire du plateau élisabéthain et cirque ludique dynamise les entrées et les sorties en permettant aux comédiens tout un jeu d’annonces et de parades.

Cette simplicité du plateau est à mettre en rapport avec l’histoire même de cette troupe qui se définit comme itinérante, ayant appris à jouer en extérieur, sur les places des villages visités.

Cette influence du voyage est partout sensible : mélange des origines et des styles, masques de commedia et farces de clowns, costumes orientaux et perruque aux couleurs électriques.

L’influence du théâtre itinérant est également présent dans la qualité du jeu : tout passe à l’énergie et au plaisir, car les comédiens viennent chercher le public, l’entraînent avec lui dans cette course énergique. Comme si rien n’était acquis une fois pour toutes, et qu’il fallait s’adapter chaque soir à ce nouveau public. La force du spectacle repose sur cette confiance faite aux comédiens : ils passent la rampent et comme ils le chantent si justement à la fin, tout a été joué pour nous.

« Joué », et dans tous les sens du terme, car on ne rendrait pas justice au spectacle en omettant sa valeur musicale. « Si la musique est source d’amour » : ainsi commence la pièce de Shakespeare et cela prend ici tout son sens. L’entrée du spectateur se fait en musique, puisque trois musiciens l’accueillent : contrebassiste, guitariste et violoniste, en jouant des airs folkloriques empruntés à la musique traditionnelle roumaine, yougoslave et bulgare. Il ne s’agit pas seulement d’une ouverture, les musiciens accompagnent les comédiens chanteurs, bruitent leurs numéros ou jouent parfois avec eux. Presque toujours présents, ils sont comme la ligne conductrice de ce spectacle. La musique et les textes des nombreuses chansons, entièrement composées pour l’occasion, donnent au spectacle son rythme et sa portée. Force des chants de groupe dynamisant l’intrigue ou émotion des chansons solitaires, la musique est reine et permet aussi bien de synthétiser une scène très longue que de ponctuer un moment charnière, comme le prologue ou l’épilogue de la pièce.

L’important ici n’est finalement pas tant qu’une femme tombe amoureuse d’une autre femme. Qu’un valet avoue son amour immodéré pour son maître ou qu’un homme ridicule soit puni à l’extrême pour son arrogance. Ce qui triomphe, au delà de ces ambiguïtés et de ces vices, c’est le rythme des chansons qui pousse les êtres les uns contre les autres dans un rythme de fête.

Une Nuit tourbillonnante et légère.
La nuit des rois au  Théâtre du Lucernaire
Par Marie-Brune Mauvernay

La Compagnie des Zébulons vous invite à une « Nuit des Rois » endiablée. Une mise en scène astucieuse, un décor plus que minimaliste et dix jeunes comédiens nous projettent dans une tragi-comédie aux costumes bariolés et au rythme effréné. Pas une minute de répit dans ces cinq actes de Shakespeare où l’on rit aux larmes.

Les planches du Lucernaire voient se succéder tragique et comique à la cadence des entrées et sorties de scènes incessantes et tourbillonnantes de comédiens généreux.

Cette pièce appartient au registre tragique. Un sujet cher à son auteur : l’être humain, ses folies, ses faiblesses et ses incohérences est abordé, ici, sous l’angle de l’amour : l’amour impossible, l’amour refusé, l’attente déçue, la passion sans issue. Chaque personnage est une caricature d’individu et l’interprétation des Zébulons en accentue ce trait. Un Duc éperdument amoureux, nous apparaît dans des transes délibérément exagérées qui ont tout d’une danse primitive, hystérique, et n’évoquent rien du registre amoureux. Le décalage prête à sourire, à rire même, osons le dire !

Ces caractères tracés à gros traits sont bien loin de la réelle complexité de l’être humain. Les personnages en deviennent même surréalistes et donc peu crédible au sens tragique du terme d’autant que les ficelles de l’intrigue sont évidentes, le dénouement évident.

L’aspect  comique domine donc tout au long de la pièce dans la plus pure des traditions shakespearienne. L’objectif des zébulons est de nous toucher, et ils y parviennent puisque toute la salle rit aux larmes. 

Une fine équipe de « gredins » : un bouffon rusé, un ripailleur alcoolique, un idiot amoureux, tous trois vêtus de couleurs aussi vives et primaires que leurs préoccupations.  Maria, femme de compagnie espiègle, chez qui tout, de sa coiffure à ses pommettes aussi rouges que son costume, évoque le diablotin.  Sous des traits d’adultes, ces personnages ressemblent à quatre enfants délurés qui ne cessent de comploter et dont les seules préoccupations sont le rire, la farce et les bons coups. Coups qui tournent d’ailleurs souvent à un certain sadisme ! Dans une insouciance totale, ils boivent, ils rient, ils jouent… Avec eux rien de sérieux.

L’insertion d’expressions actuelles, de séquences rap, et autres trouvailles habillement placées, modernisent le texte de Shakespeare et participent d’un rythme excellent.

Une nuit des Rois légère. Des amours qui se cherchent mais ne se trouvent pas, des ficelles évidentes, une interprétation résolument comique. Le résultat est là, on passe au Lucernaire un moment divertissant et léger… Un peu trop peut-être… car du sérieux effleuré, on reste un peu sur sa fin.

" J’ai vu un dingue…" 
Eric Lareine  Au Théâtre des Déchargeurs
par Vladimir Mouveau

Il se tient sur une scène debout, son complice Denis Badault l’accompagnant au piano, et fait défiler devant nos yeux et nos oreilles une série de sketchs, plus ou moins enchevêtrés, des chansons, une panoplie d’histoires et de réflexions toutes plus délirantes les unes que les autres. Il mime tantôt un extra-terrestre essayant de se faire ami des terriens, tantôt un bûcheron se faisant oindre le derrière par le balais d’une sorcière malintentionnée ; Histoire qui est en fait un conte de fée raconté par une petite fille terrorisée par le sexe d’un vieux pervers… Il passe du rire à la chanson, de la poésie à la danse et de la danse à… la cacophonie totale avec une virtuosité déconcertante. Il balaye tous les registres de la mise en scène dans ce qu’elle a de plus complet et de plus total. Il est comique, triste, cynique, nostalgique, dramatique.

Pouvoir et castration
L’orage Aux laboratoires d’Aubervilliers
Par S. Clément

 " J’ai appris que vous possédiez une chèvre, c’est bien. Le lait de chèvre est saint, même pour les poumons " écrivit Lénine à Gorki après l’avoir obligé à s’exiler sous un faux prétexte de cure pour sa tuberculose et d’une vraie menace d’assassinat.
L’orage d’Alexandre Ostrovski se situe en amont de ce que écrivains et psychanalystes s’accordent à définir comme un maternage de grand-mère tyrannique, caractéristique de la société russe et de ses structures familiales.

La compagnie IVA est le LUNA Collectif, deux associations d’échanges culturels franco-russes sont à l’origine de cette création de  L’orage mis en scène par Micha Mokeiev et interprétée par quatorze comédiens français et deux musiciens russes.
Ils se sont installés quelque temps aux Laboratoires d’Aubervilliers, qui, en échange d’une conviviale complicité artistique, leur ont laissé les clés des lieux.

Tout a commencé comme cela devrait se faire plus souvent, par un atelier de formation conventionné AFDAS, où les demandes d’inscriptions des comédiens ont tout de suite affluées : travailler un auteur russe avec un metteur en scène russe…De là, auditions, groupe de travail, laboratoire de recherche, pendant une dizaine de jours sur le thème de la pièce pour qu’au terme de ce stage les rôles trouvent des interprètes et le metteur en scène des comédiens.
Le résultat est là : un splendide spectacle où la vie se consume à forte dose de vodka et de révolte indissoluble. Micha Mokeiev nous entraîne dans une mise en scène pleine d’énergies désespérées où les jeunes comédiens épousent le rythme de cette écriture humaine, convulsive et poétique.
C’est simple, présent, centré, ça ne retombe jamais, ça virevolte d’ingéniosité scénographique en impulsions corporelles et chorégraphies enjouées.

Les comédiens sont beaux et nous font vivre le texte de l’auteur, à l’image de Camille Cayol qui interprète Catherine, la jeune mariée. Il faut saluer cette comédienne, formée à l’école russe, qui fait sortir les mots de son corps avec toute la grâce, la vitalité, l’abandon et la maîtrise que requiert pareille composition. Que demander de plus ? Même qualité pour tous les comédiens ? C’est le cas, que ce soit pour Raphaël Almosni et son fantasiesque Koulighine, pour Léna Brébant dans le rôle de la sœur attisant les passions.
Catherine Ferri joue avec gouaille et sensualité le personnage central de la pièce, l’humiliante mère Madame Kabanova.
Le pilier de l’orage c’est elle : " c’est vous…c’est vous seuls " lui assénera son fils -Bertand Fournier- à la fin du drame.

On retrouve la profonde structure de dramaturgie d’Ostrovski avec cette riche veuve Kabanova dont l’égocentrisme oppresseur n’a d’égal que le despotisme et l’avidité du riche marchand Dikoï – Noël Vergès-Vengo.
Seul la pureté d’âme de la jeune marié empêchera la marâtre de devenir l’une de ces grands-mères russes, tyranniques, castratrices et détentrices du pouvoir.

L’orage éclatera donc, assouvissant au prix de la vie de cette jeune femme, la folie des hommes. Suspendant, le temps d’une âme qui s’envole, la quiétude sublimée de la poésie.
Lors du drame final, les comédiens sont assis sur la scène et lisent le texte, ultime hommage à ce théâtre dont les mots nous parviennent grâce aux corps de leurs interprètes ne formant plus qu’une voix.
On retrouve un même engagement dans le travail et dans l'organisation : une troupe de quarante personnes au total. Ils s'investissent corps et âme, que ce soit dans les décors, la scénographie, les costumes où tout est réaliser avec les moyens du bord.

Espérons que la générosité, l’humour et la remarquable orchestration de Micha Mokeïev –et de son assistante Nathalie Conio- parviendront à dépoussiérer les truffes embourgeoisées des programmateurs parisiens pour la saison à venir.
Si c’est le cas, courez voir cette pièce pleine de vie et gaieté parce que dramatique.

Stances de la trace
…d'un Faune (éclats) au Théâtre de la Cité International. 
Par Cyril Carret

Un titre elliptique pour un récit elliptique où nous est livré, à vif, l'affect du chorégraphe en butte à la transmission de son art et à l'écriture de la gestuelle du danseur. Tour à tour théâtre dansé où danse dramatisée, la scène envahit un  public qui prend activement part au spectacle, happé par le jeu de rebonds : inertie impossible dans une obscurité déchirée par un échange entre textes à la profondeur grave, images projetées et périlleuse interprétation.

Il est des spectacles comme des livres. Certains en appellent à l'émotion tandis que d'autres résonnent comme de vastes questionnements. 
L'espace scénique est ici le pré où s'affrontent interprètes et partition. On ne sait d'ailleurs où termine la scène et où commence le public qui  est convié; dès les premiers instants,  la narration personnelle des danseurs les projette hors du jeu, jeu de reflets, jeu de miroirs.  Il s'agit d'images ou plutôt, des traces qui gisent au fond de la mémoire et de la reconstruction de celles-ci sous forme de souvenir. Ce travail des acteurs sur la ré élaboration du ballet de Nijinski les renvoie  à un questionnement sur leur propre construction, et participe à un moment de grâce.

En danse, la problématique de la fidélité de l'interprétation des indications chorégraphiques et de leur rappropriation a déjà suscité de nombreuses interrogations. Rodolf Laban, Albrecht Kunst (dont les chorégraphes ont tiré leur pseudonyme) et Nijinski, ont tous trois travaillé à l'élaboration d'un système de notation qui permettrait de reproduire fidèlement la partition d'un ballet. Huit ans d'études ont été nécessaires au quatuor pour interpréter l'écriture de Nijinski et nous la livrer dans une bouleversante mise en abyme. 
Les acteurs-danseurs deviennent à leur tour spectateurs dans un espace qui gagne chaque fois plus en profondeur et en densité : malgré l'apparente sobriété d'un décor inexistant, les interprètes ne cessent de remplir cet espace pour mieux le découper en courbes et en lignes de leur corps et de leur texte.

Dans cet incessant va et vient de questions, l'interprétation de 
l' après-midi d'un faune de Nijinski sur la partition de Debussy intervient dans l'obscurité qui nous entoure comme un jet de lumière et nous bouleverse. Dans la pièce, reprise et dépouillée, sans le costume et finalement sans la musique, la femme devient faune et la nymphe se fait homme. 

L'œuvre de Nijinski hurle alors son universelle beauté et interroge sur la capacité de la danse à se renouveler dans la qualité et à explorer de nouvelles voies. Car, à trop s'interroger sur le sens, on finit par se perdre et les questions soulevées par la profusion des points de vue narratifs déroutent un spectateur qui aurait mérité qu'on lui donne parfois quelque clé.  Comme l'avait suggéré Mallarmé, le sens n'est qu'un élément de la poésie, et qui pourrait faire défaut. Alors oublions le sens et que vive la poésie.

Une magistrale distillation de caricature et de réalité
Les Fourberies de Scapin au Théâtre Fontaine
par Fabrice Rolland

Le port de Naples sert de toile de fond à une comédie populaire et résolument moderne de Molière mettant en scène une galerie de personnages touchants. Il y est question de mariages arrangés, prétexte de l’auteur pour nous présenter une intrigue attachante, imprévue et parfaitement enchaînée. L’univers intemporel de Molière associé à une mise en scène volontairement minimaliste et des costumes remarquables font parfaitement vivre ce texte classique qui recouvre ici une éblouissante jeunesse.

La scène est épurée, le décor est minimal. C’est presque un regret lorsque le rideau se lève. Le décor se compose d’un seul banc de pierre, là où j’espérais trouver le port de Naples. Pourtant, dès l’instant où il entre en scène, Scapin occupe l’espace, tout l’espace. Il bondit, fougueux, d’un bout à l’autre de la scène, agissant sur son entourage, adaptant son langage à ses interlocuteurs, comprenant et devinant les travers et les ambitions de ses contemporains, et ralliant à lui un public conquis.

Gregory Gerreboo endosse à merveille le fourbe Scapin, en y insufflant une réelle énergie et un élan de modernité qui nous rapproche un peu plus de lui en nous éloignant du même coup des autres personnages, plus caricaturaux, et dont le trait est souvent forcé à l’excès. Serge Catanèse qui joue le rôle d’Argante, et Philippe Gouinguenet dans le rôle de Géronte campent tout deux des personnages excessifs et dont Molière a volontairement « épaissi » les travers. En même temps qu’il nous éloigne d’eux, parce qu’ils sont exagérés et parfois grotesques, Molière nous fait apprécier un peu plus encore le personnage de Scapin, fin psychologue et observateur avisé de son époque. 

Il faut attendre le dernier acte, où Scapin se venge de Géronte, en l’enveloppant dans un sac et en le rouant de coups par un subterfuge vite découvert, que ce personnage cynique et avare devient presque attachant : lorsque Géronte met doucement la tête hors du sac, et aperçoit la fourberie de Scapin.

Le théâtre de Molière est un théâtre fascinant et intemporel. En montant cette pièce, Colette Roumanoff, a pris pour parti de servir le texte de Molière et n’a en aucun cas cherché à adapter la pièce de quelque manière que ce soit, sauf à y apporter le sang neuf d’une troupe de comédiens talentueux, dont le plaisir de jouer ensemble est visible d’un bout à l’autre de la comédie. En respectant en tout points l’œuvre de Molière, Colette Roumanoff n’est finalement qu’un vecteur : c’est « la » pièce de Molière qu’elle nous donne à voir.

L’énergie distillée tout au long des trois actes par le brillant interprète de Scapin, et par ceux qui l’entourent, notamment Fabrice Fara qui joue le personnage de Sylvestre en lui donnant un éclat particulier ; finit par avoir raison de toutes nos réticences. Si Molière vit toujours, c’est grâce à la passion entretenue de ceux qui le jouent, et perpétuent la tradition d’un théâtre populaire, fatalement ouvert au public le plus large qui soit, où les rires des enfants côtoient les sourires amusés des adultes. Ceux-là même qui ont croqué à pleines dents durant une heure et demie dans une madeleine qui les a transportés, ici ou là, vers les rivages d’une enfance évanouie.

Prucnalissime Anna
Ma sœur, la vie, au TILF
Par Jeanne Le Gallic

 Une comédienne, une femme, chante la vie avec intensité. Son accent polonais qui roule, égratigne quelques mots, mais la parole nous atteint, une très belle interprétation qui nous parvient jusqu’à nous faire frissonner l’échine.

 Êtes- vous prucnaliste ? Je suis de celles qui ont choisi leur camp. Partisane pour le spectacle d’une femme qui se met à nu et donne à entendre ses amours, ses déchirures, ses errances. Une traversée en chanson.
De sang juif, noble et tzigane, Anna Prucnal naît à Varsovie. Sans père (assassiné par les nazis), elle grandit de l’autre côté du mur et se consacre à la scène. Le rideau d’alors est de fer. Comédienne populaire en Pologne, elle arrive en France en décembre 1970, travaille avec de grands metteurs en scènes et cinéastes (Lavelli, Wilson, Planchon, Barrault, Fellini…) . Elle est proscrite de sa terre natale à cause du film Sweet Moovie de Dusan Makavejev.

 Aujourd’hui son mari, Jean Maillant la met en scène et en valeur. Il signe nombre de ses chansons parmi un répertoire allant de Brecht à Moustaki en passant par Pasolini et Pasternak mis en musique. Comme tous les grands interprètes, c’est à partir d’elle qu’elle chante. Mais elle part…Anna en partage, parfaitement accompagnée au piano par celui qu’elle nomme son orchestre, Jacques Pailhès. Sur la scène, il n’y a qu’eux deux accompagnés d’un judicieux jeu de lumières polychromes, sobre et expressif.

 Le spectacle commence. Agenouillée sur un prie-Dieu, la tête engoncée dans un béret, elle nous fait part d’un mouvement d’âme enfantin. Anna naïvement en disgrâce, entonne finalement le chant dédié à Staline réservé aux écolières assidues. Un traumatisme, nous dira-t-elle plus tard. Ceci en guise de zakouski .
Elle rentre sur scène en pantalon noir, talons et blouson de cuir patiné. Sa chevelure hirsute oxygénée lui donne des airs de pop star dégingandée. Elle en joue, comme elle joue vocalement sur différents registres. Elle chuchote, elle crie comme dans ce tableau de Munch, descend dans les graves, escalade les aigus. Sa voix claire ou cassée ne cherche pas l’efficacité. Elle sert l’émotion, en passant par le cabaret, le chant lyrique, du rock bien tassé à la diva originale. Elle tient les spectateurs et suit les méandres de ses tripes.

 De son origine slave, elle revendique son identité de femme et en tire sa théâtralité. Son regard, son extrême expressivité, son sens des ruptures et de la dérision concoctent un étrange cocktail. Entre orgueil et humilité. Ses mains se crispent et se délient, s’accrochent à sa tignasse, entourent son ventre…on est au cœur de la femme.

 Elle revient en robe noire. Les chansons sont alors moins convaincantes, on sent qu’elle rame, qu’elle s’accroche. L’époustouflant du début s’essouffle un peu. Ce soir, c’est la deuxième, elle perd un peu son texte, s’interrompt et lance : " Mais qu’est-ce que j’ai, c’est la vache folle !". Jamais ses histoires ne nous indiffèrent. Elle se ressaisit et reprend ténu le fil de ses émotions.

 Ce soir, il y a des polonais dans la salle. Elle choisit de finir par une comptine de Noël, le piano est léger, sa voix simple et désarmante. Un verre de Prucnal, une vodka jouissive pour se souvenir, affronter l’avenir, et faire l’amour à la vie.

Poète civil
Pasolini au Théâtre de la Bastille
Par David Fauquemberg

 Parler avant qu'il ne soit trop tard. Faire de la poésie un acte citoyen, parce qu'elle seule peut exprimer la confusion de la vie telle qu'elle est, sans céder aux facilités des formules communes, à l'éclat trompeur d'une culture dominante détachée de la réalité. Sortir du palais et se noyer dans les rues de la ville.

 C'est l'ambition commune aux différents textes du poète et cinéaste Pier Paolo Pasolini que Dominique Féret a rassemblés ici, dans un long monologue d'une troublante actualité. La mise en scène, réduite à l'essentiel, souligne l'urgence de la parole, entre cri d'amour et prophétie d'apocalypse. Dans l'obscurité silencieuse de la petite salle du théâtre de la Bastille, l'image de Pasolini apparaît sur le mur. Bientôt, on distingue l'actrice, seule en scène, en train de s'échauffer. Peu à peu gagnée par une étrange agitation, elle va se laisser aller à la violence des banlieues pauvres, celles de Rome où l'auteur a longtemps vécu, ou celles plus actuelles dont parlent les rappeurs.

Alors, essoufflés, indignés, les mots fusent, se bousculent, au risque du bégaiement et de la confusion. Cette confusion, souligne Pasolini, est inséparable d'une poésie qui se veut fidèle à la réalité, si complexe soit-elle. Seuls les faux sentiments ont la clarté synthétique si chère aux médias et à la politique. Le premier mouvement du monologue, d'une grande intensité, évoque ainsi un entretien surréaliste de l'auteur avec une journaliste. Ce qu'elle voudrait, c'est l'entendre résumer en quelques mots son œuvre de poète. Comment le pourrait-il, quand sa vision du monde unit dans un même élan les sensations et les souvenirs, la réalité et son double artistique (un voyage qui se passe " comme dans un film de Godard " ; la journaliste, accrochée à son Bic, qui se dévoile " dans un travelling avant ") ?

 Si les textes sont parfois difficiles, ils s'éclairent et s'enrichissent mutuellement. Surtout, ils touchent par leur beauté et leur extraordinaire énergie, cette " vitalité désespérée " que revendique Pasolini. La voix superbe de Sarah Chaumette laisse parler les mots, sans maniérisme, confiante dans leur force. Elle réussit le prodige de rendre sensible la fragilité d'une pensée rebelle, pas si sûre d'elle-même, sans cesse écartelée entre orgueil et désespoir. On assiste, médusé, aux soubresauts d'une pensée en train de naître, jamais figée, toujours en mouvement, à l'affût de l'idée qui soudain apparaît, du souvenir qui revient quand on le croyait oublié, de la métaphore inattendue ou du trait d'humour, dernier rempart face au désespérant sérieux du " bon sens ". Le corps de l'actrice, fébrile et fier, s'éclipsant parfois pour mieux revenir dans la lumière, incarne avec bonheur cette pensée qui avance, ivre de ses propres mots, avide d'humanité et de vie.

" La mort, c'est de n'être pas compris ", s'inquiète l'auteur. Mais alors, ce spectacle-là est outrageusement vivant. En se révoltant contre un néo-libéralisme qui lentement tue l'humain, contre une intolérance se parant du masque de la tolérance la plus absolue, contre l'universelle fascination exercée par les intrigues des puissants, contre encore la morgue ironique des " gladiateurs désespérés " se battant pour arracher leur part du gâteau, c'est de nous qu'il parle, et de nos renoncements.

Une noblesse qui s’en allait à travers champs…
 Le Mariage de Figaro  à L’Espace Jemmapes
 par Vladimir Mouveau 

Grandeur et splendeur du classicisme, le Mariage de Figaro, écrit autrefois par Beaumarchais, aujourd’hui mis en scène par Stéphane Aucante et joué par un groupe d’acteurs aux personnalités particulières, réveille en nous les traits d’une époque forte en caractère. La dualité noblesse- petites gens, admirablement rendue dans cette création aux déguisements et aux jeux variés, ne manquera pas de nous émouvoir. 

C’est une troupe de huit acteurs sur une estrade parfaitement dimensionnée qui interprète le célèbre « Mariage de Figaro », de Beaumarchais.
 Le décor est assez simplement organisé, un fauteuil, de faux personnages en carton-pâte, des accessoires (rideaux, bougeoir, balconnet,…) que les acteurs enlèvent et remettent au gré de l’histoire. Les costumes et les maquillages sont étudiés avec détail et perfection, des masques apparaissent ; on ne manquera pas de saluer aussi la qualité de l’éclairage (Anne Coudret), qui illustre avec « brillance » les différentes atmosphères de la journée et des lieux. Que ce soit la nuit sous les arbres, au Tribunal ou dans le clos de la chambre de la Comtesse, on est à chaque fois transporté de façon fidèle dans les divers endroits. 

Cette pièce est une sorte de parodie de la condition humaine au temps des nobles et de leurs valets. Elle retrace avec ironie les inégalités et les rapports qui pouvaient exister entre un maître et ses domestiques. Beaumarchais, à travers une verve colorée et pleine de finesse, met en lumière cette période où l’absurde, souvent, prévalait sur la raison. Il se moque de la noblesse, rit de l’incrédulité de certains de ses contemporains et fait le procès d’une société dont le sang et la descendance étaient des motifs de pouvoir plus respectables que ceux qui avaient trait à l’esprit, au caractère et à l’identité personnelle. Stéphane Aucante met en scène cette perversion avec force imagination dans les costumes, les déguisements des personnages, le jeu vif et précis des acteurs. Ces derniers se bousculent, se chamaillent, donnent vie à la pièce et représentent tout l’absurdité de cette période. 

Si certains des acteurs semblent devoir leur rôle à la qualité de leur physique plus qu’à la composition du jeu de leur personnage. John Berrebi (Figaro) et Jacques Grange (Le Comte), un peu à la suite de l’énergie des autres, d’autres ne laissent pas de nous étonner et de traduire à merveille cette dichotomie entre la condition des valets et celle des seigneurs. Ils poussent à l’extrême le jeu et revêtent parfaitement la peau de leurs personnages. On rendra hommage aux prestations de Nathalie Presle (la Comtesse) et de Félicien Delon (Chérubin), dont le naturel du jeu et la grâce dans la mouvance ne peuvent qu’émerveiller. Claudine Van Beneden, avec l’aide d’Hervé Jacobi, est aussi maîtresse dans l’art de se faire remarquer, de faire des grimaces, relancer la parodie et entretenir le spectateur dans un état d’euphorie régulière. 

Bizarrement accoutrés et maquillés, sous des gestes brusques et emmenés, ils sont tous deux le pivot comique de la salle. C’est en fin de compte une belle mise en scène, accompagnée d’un texte magnifique dont il y a bien peu de raison de dire du mal. 

Un zeste d'orange pour remettre son couple en forme
Bergamote et l’ange au Théâtre Hébertot
Par Diane Valemblois

Quel nom étrange pour cette petite troupe qui fait des étincelles sur scène : “ Bergamote ” . Ce terme parfumé désigne l'extrait d'orange utilisé dans la composition des eaux de cologne. En fait, ce mot est celui d'une émission culte du dimanche matin à la Radio Suisse Romande. Le rideau se lève et évoque étrangement celui du rideau de fer des Deschiens. 

Dès le premier regard, quelque chose nous laisse entendre que le couple assis sur scène va lever certains tabous. 
Le spectateur se sent vaguement mal à l'aise. 
D'ailleurs, curieusement le public est composé presque exclusivement de couples, lesquels vont suivre avec effarement, les petites mesquineries et les crises générées par la vie à deux 

Monique (Claude-Inga Barbey) se lance dans un long monologue durant lequel son mari Roger (Patrick Lapp) tente en vain de s'exprimer. Sa femme monopolise la parole et ne termine ni les phrases, ni les mots que de surcroît elle cherche souvent. Le mari et le public, réduits à deviner le contenu des paroles, se sentent de plus en plus irrités par cette femme certes charmante, qui accapare le faux dialogue. Celle-ci s'exprime  avec les mains, plongeant le spectateur dans une sorte de film muet. 

Claude-Inga Barbey mime chaque mot. Sa gestuelle est fluide et donne du mouvement à la pièce. Le couple  traverse apparemment une crise : l'homme et la femme ne s'écoutent pas et ne se regardent plus. Plusieurs morceaux de vie de Monique et Roger composent la pièce. Dans ce patchwork, un sketch est particulièrement frappant : le mari désire passer un week-end en famille. Sa femme lui apprend que justement pendant ces deux jours, elle part à Londres avec un étudiant pour aller visiter les musées. Roger est désemparé, il tente de convaincre Monique de rester et d'annuler son projet. Elle refuse catégoriquement, arguant de ce qu'elle a enfin le droit à deux jours de repos. Constat tragique pour Roger qui a peur que sa femme ne le trompe. Monique décide tant bien que mal, de tenir son engagement  sans se soucier pour une fois des désirs de son mari. Mais avant de s'envoler pour Londres, l'épouse accomplie, n'oublie pas de préparer le repas pour toute la famille. 

Et tandis que Roger reste coi, mortifié par cette horrible vision,  sa femme dans les bras d'un autre... tandis qu'il ressasse ses souvenirs, il prend soudainement conscience qu'il ne s'est pas gêné lui, pour tromper  sa femme et depuis longtemps encore. Sur cet entrefaite, un ange arrive. Il a des cheveux d'argent, des ailes et, détail moins conventionnel, un bleu de travail. 
Le messager du ciel vient au secours de Monique et Roger.

Il sera la petite voix de l'âme chez l'un et chez l'autre, libérant les mille et une pensées qui assaillent le couple.
L'ange tente de reconstruire leur union compromise. Il va réaliser les fantasmes de ses protégés afin de leur permettre de réussir leur histoire d'amour.
Cette pièce évoque avec humour les réalités de la vie que traversent sans doute un jour tous les couples : peur d'être trompé, crainte de ne pas être assez aimé, sentiment de ne pas être aidé...

 Les trois personnages de cette pièce sont au cœur de ces moments douloureux. Ce spectacle constitue donc une bonne psychothérapie : une séance d'une heure et demie, moins chère que le psy, plus conviviale et plus drôle.
 Que demandez de plus ?

Une leçon au poil !
Poilus  à l’Espace La Comédia
Par Hannah Zerbib

Le texte de Stéphane Broquedis, Emmanuel Lequeux et Rémi Pous nous entraîne dans l’Histoire, une histoire parallèle et souterraine. Les deux héros, préservés 80 ans par un gaz de jouvence, prisonniers hors du temps, découvrent effarés le monde d’aujourd’hui comme pour nous inviter à mieux penser l’avenir… tout ceci bien sûr, sur le ton de la comédie.

Enfermés dans une galerie souterraine, les deux poilus ne perçoivent rien du dehors. Alors ils pensent, ils imaginent le monde de la surface. Il en sort une belle utopie : des jardins, des machines au service de l’homme, des hommes ni riches ni pauvres et plus de guerres ; la science a forcément bien fait les  choses et les hommes ont su tirer les leçons du passé… Le spectateur, lui, sait et immanquablement fait le parallèle entre le monde burlesque et rêvé des personnages et l’histoire de notre siècle. La mise en scène d’ Alice Papierski nous aide à percevoir celle-ci en filigrane, à travers la musique qui rythme le spectacle, des chansons de « comiques troupiers » au reggae de Bob Marley, en passant par le Chant des partisans. On fait des bonds de 10, 20 ans, la musique marque la rupture mais les poilus eux, sont toujours en uniforme...

Le temps qui passe épargne miraculeusement ces pauvres diables, pourtant ils ne sont plus les mêmes. Dans ce huis-clos, chacun n’existe plus que pour l’autre et le rapport à l’autre, peu à peu évolue. L’un est instruit et discipliné, il vient de la ville, l’autre est un paysan landais à la verve gouailleuse. Mais ils sont deux hommes ordinaires, en cela ils sont semblables. Deux anti-héros. Ceux là n’ont pas vendu leur âme au diable, ils ne sont ni Dorian Gray ni Faust. Ils n’ont pas choisi et pourtant ils assument un destin commun, l’un soutenant l’autre presque malgré lui. Ils sont drôles et touchants. Le décor de David Ledorze subit leurs humeurs. Ils aménagent leur espace, posant entre eux un rideau (de fer ?), s’invitant à la table des négociations, communiquant par « téléphone » (rouge) pour ne surtout pas avoir à se faire face… Finalement, dénudés comme le sont les étagères qui portaient leurs provisions, ils  tombent dans les bras l’un de l’autre. Dans leur combat, ils ont un ennemi commun : les rats ! Les poilus nous montrent du doigt : nous ? Les spectateurs ?

Et l’on suit leur évolution. On rit d’abord de bon cœur de leurs gags truculents et de leur joutes verbales hautes en couleurs. Notre soudard a le parler chantant et populaire et notre soldat lettré est aussi froussard que l’autre est rustre. On se laisse prendre ensuite par leur folie, puis peu à peu une inquiétude nous saisit. L’espoir plus que le gaz de jouvence fait vivre, alors avec une énergie communicative, Cazau et Desforges creusent, n’en finissent pas de creuser, galeries après galeries. Mais avancent-ils vraiment et vers quoi ? Sortiront-ils ? Et s’ils sortent ?

 Ce qu’ils vont trouver, le spectateur le sait. Alors nos deux poilus nous regardent. Le monde extérieur ? Les jeux de lumière figent les visages terrifiés des comédiens dans de soudains éclairs tandis que nous voyons, nous aussi, ce que nous n’avons su faire…

La leçon de juste conduite
Règle du savoir vivre dans la société moderne au Tremplin théâtre
Par Vladimir Mouveau

Under Construction
Point Blank au théâtre de la Cité Internationale
Par Frédéric Cheminade

Dans ce semblant de foutoir, de réserve de brocanteur, la mise en scène se révèle être une mécanique omniprésente. Comme le soleil, comme le monde, le décor tourne devant nos yeux distraits. Chaises, tabourets ou autre, se déplacent au fur et à mesure de l'action, pour signifier le passage d'une scène à l'autre, d'un acte à l'autre.
Tout nous fait croire à un théâtre en construction, une pièce qui ne serait pas déterminée à l'avance, hésitante, en instance continuelle de réalisation. Pour beaucoup, ils se cherchent, s'étonnent, se refusent à eux-mêmes. Pas un des personnages ne se pense moins qu'un autre. Ils nous embarquent tous dans l'exception de leur folie. La gestuelle de Sacha, proche du mime et du burlesque, trahit sa peur du monde (de même pour Marya).

Entre plaisanteries et bégaiements, Platonov y va yeux bandés de son "Courage, fuyons".
Les comédiens arrivent à prendre leur texte en dérision. Ceux qui ne disent rien observent les autres et on ne sait plus très bien si c'est le comédien qui regarde un des siens ou le bonhomme qui se moque de son prochain. D'une société parfaite, où chacun aurait sa fonction sans jamais jouer sa partie ou bien d'une fiction trop simple où le genre nous dirait quoi penser, le cliché nous dirait quand souffrir et le début nous donnerait la fin.
D'une connerie à l'autre, laquelle choisir ? Aucune. L'une est dangereuse, l'autre ennuyeuse et les deux sans surprise, rideau.

Point Blank, c'est l'alternative, comme si un blanc d'hésitation après chaque point que nous inscrivons pouvait construire notre histoire.

Des cancans au racisme, il n’y a qu’un pas. Isma nous ouvre le chemin de la réflexion. Les on-dit mènent aux pires accusations. Ce théâtre naguère avant-gardiste ne l’est plus. Le spectacle ne réinvente pas l’univers de Sarraute mais nous le rend dans sa complexité sans en avoir l’air. Les comédiens font vivre le texte qui cesse alors de n’être qu’un exercice littéraire.

Un groupe d’amis décortique la sensation de malaise que leur procure un couple absent et énigmatique. Mais quel est donc le tort des Dubuit ? Principal grief : un rien, cette façon singulière qu’ils ont de prononcer la syllabe isme en isma. Les convives s’interrogent, expectorent leurs miasmes. Partie d’un rien, ouvrant des brèches qui deviennent failles, la petite réunion amicale tourne à la thérapie de groupe.

Pas de crise de morale dans cette assemblée, le seul opposant s’éclipse rapidement. Leur unique désir gourmand consiste à attaquer les Dubuit, les retourner dans tous les sens, pour savoir par quel bout saisir leur dégoût et pourquoi ils les débectent tant.

La mise en scène de René Loyon va dans le sens du théâtre de Sarraute fondé sur le langage. Tout affleure dans le dialogue des personnages. Pas d’actions extérieures, les ambiguïtés intrinsèques à chacun se manifestent par des répliques intempestives, inachevées, tentant d’expliquer leur part d’indicible. L’intrigue, qui n’est que conversation, avance par des petits riens, des silences ou

passages d’ange. Et la déraison de personnages raisonneurs nous saisit au collet sans que l’on y ait pris garde.

Même costume pour les hommes, même robe du soir pour les femmes. Sobriété des accessoires qui se résument à dix chaises, dont deux réservées aux Dubuit. Bichromie du spectacle qui se déroule en noir sur un tapis rouge. Allusion au romantisme stendhalien ? Non, peut-être aux petites rigoles de sang jaillissant des petites phrases assassines…. Loyon a réussi à ne pas donner l’impression d’un raout mondain où l’on lance de méchantes piques superflues. L’envie de dénigrer des personnages correspond à des besoins enfouis, des raisons perdues dans les profondeurs de leurs êtres.

Pourquoi voir plutôt que lire la pièce de Sarraute ? Parce que les comédiens ont le mérite d’imposer un panel de personnalités bien campées, aux mouvements intérieurs saccadés et complexes. Jacques Brücher est parfait en médecin de famille ou psychanalyste sceptique, Aristide Demonico, redoutable en français moyen bonhomme à qui une égratignure révèle la haine violente d’un être dangereux, Chantal Mutel, délicieusement drôle, toute en naïveté et profondeur. Elle, Odile Roire, est superbe en bonne épouse effacée, totalitaire et névrosée face aux Dubuit. Lui, Pierre-Alain Chapuis, donne l’image d’un bourgeois nounours établi, méfiant, agité et poseur, parfois un peu trop…

La façon dont tous les comédiens s’approprient le texte nous permet également de le faire nôtre, d’y percevoir des résonances intérieures. Nous avons tous éprouvé quelques joies malsaines à nous repaître de la médiocrité d’autrui, à tourner et retourner autour de personnes qui nous sont foncièrement désagréables, sans raisons objectives. Des ressentiments fondés sur rien….ou peut-être quelque chose, quelque signe extérieur. Après les mots. Le silence.

Maléfique Ubu !
Ubu au théâtre de la Cité Internationale
Par Vladimir Mouveau

Ubu est incompréhensible ; sorte de fresque loufoque du pouvoir, de caricature de l’homme dans ce qu’il contient de plus obscur et de plus vindicatif, la pièce d’Alfred Jarry est la signification la plus nue et la plus extrême du terme " roi ". Roi du monde, roi des rois, la toute puissance incarnée en un seul homme qui n’a de compte à rendre qu’à lui-même...

Un individu drôle et tragique à la fois se tient seul au milieu de la scène. Il nous apprend que les acteurs ont été réduits au strict minimum parce qu’ils se sont entredévorés avant la représentation et qu’il est obligé, lui-même, d’assurer tous les rôles hormis celui du père et de la mère Ubu, les deux héros diaboliques de la pièce… il nous dit que cette pièce n’est pas du meilleur goût, mais que si l’un se risque à dormir dans la salle, il se fera expédier nu et à force de grands coups de poings ! 3° Celsius hors de la salle, je n’ai pas dormi… ma mie !

Un petit théâtre sombre, sorte d’antichambre de l’enfer est installé sur les planches. L’homme tragique en manipule l’ouverture avec un cordon ; le rideau se ferme de l’extérieur, à la manière d’un théâtre de marionnettes. La pièce à l’intérieur est une petite salle rouge feutrée, munie d’un unique et moelleux fauteuil rouge dans lequel le père Ubu, sorte de Satan vêtu de rouge, bagué et gominé, est avachi devant l’humanité. A côté de lui, tournoyante et hystérique, la mère Ubu s’exécute. La criarde et vociférante mère Ubu…

Le qualificatif éponyme " ubuesque " signifie désordonné, désorganisé. C’est ainsi que la pièce a été montée par Dan Jemmett. Ubu, un roi sans scrupules, tue le roi lors d’une manifestation et se proclame monarque à sa place. Il tue les nobles, se débarrasse de ses ministres. C'est un voleur, il vole son peuple, les propres caisses de son royaume, se fait voler par sa femme,… La pièce est une succession de facéties, un condensé de violence et d’incohérences, c’est aussi l’opposition homme-femme, la lutte entre un roi et une reine qui ne parviennent pas à calmer leurs appétits et qui cherchent à se conquérir l’un l’autre.

C’est plus d’une heure de rires, d’étonnements, de grimaces et de mimiques. On ne comprend pas tout, les deux acteurs sont difficiles à suivre parfois, l’intelligibilité de leur propos s’efface quelquefois devant la vivacité et le cynisme de leur jeu. Leurs mouvements sont exagérés et pleins ; ils se laissent aller sur scène, ils sont théâtraux.
Leurs gestes sont parfois répétés et exagérés, à la manière de pantins désarticulés –Ubu est écrit à l’origine pour un spectacle de marionnettes-, l’effet rendu en est des plus comiques.
Le troisième homme, qui représente l’humanité au dehors, tranche véritablement sur le spectacle qu’il donne à voir ; en guise de jeu, il écrabouille des tomates lors des combats sanglants, il casse méticuleusement des assiettes qui représentent autant de nobles égorgés par Ubu, il orchestre les mouvements de foule et provoque les effets spéciaux. Il livre quelques réflexions aussi. La musique joue également un rôle important. Elle vient parfois appuyer l’effet d’une scène, elle donne un timbre sensuel et délicat à l’atmosphère. Percussions basses, mélodie ouatée, ambiance presque de discothèque, elle contraste avec les massacres du roi.

Le jeu des acteurs est admirable. Si Ronit Elkabetz -la mère Ubu-, n’avait pas porté ce nom si imprononçable et affiché le feu du vice au fond des yeux (si elle n’avait pas touché la langue de son Ubu de façon fort décontractée), j’en aurais fait ma femme sur le champs. Elle est persifleuse et salasse, calculatrice, biaiseuse et séductrice. Sexuelle…Ubu est donc une pièce ou plutôt un monde fantastique qui ne laissera pas de vous ravir.

Ronit Elkabetz n’a pas d’équivalent sur terre. Elle est magnifique, inoubliable... jusque dans son nom, pour moi presque à point choisi.

Ubu est LA révélation de l’année. Je ne la conseille à personne, car c’est MA pièce !

Deux hommes en colère
Karma au Studio des Champs-Elysées
Par Annette Sion

Toutefois, on regrettera de ces personnages, que le monde effleure à peine, de ne pas plus pouvoir s'animer de la présence d'Elisabeth Vitali. Compagne trop discrète de Gédéon, l'actrice ne connaît d'ombre que son personnage.

En ce sens, il ne tient pas toutes ses promesses. La volonté de Bond, comme celle de Seide, est de faire naître des images, de suggérer les génocides et leur cortège de souffrances, de provoquer l’imagination du spectateur, de susciter une horreur personnelle, intime. Il apparaît que ce conte froid, trop froid, sans pathos, mais sans empathie non plus, peine à y parvenir.

C'est véritablement enchanteur.

Ludique ou sincère, distant ou nostalgique, ce spectacle éclaté devient ainsi un joyeux bordel, débordant mais finalement cohérent, porté à bout de bras par l’énergie et le talent d’un groupe qui y croit toujours, qui y croit pour nous. Alors, pourquoi ne pas le suivre ?

Des femmes et des DOM
La soufrière au théâtre de l'Epée de Bois-Cartoucherie
Par Gabrielle Laurens

Esclaves ou ouvriers? Département d'Outre-mer ou colonie? Guadeloupéens ou français? Telles sont les lourdes interrogations que soulèvent Antonio Diaz-Florian, metteur en scène de la troupe du théâtre de l'épée de bois. La "Soufrière", inspirée du "procès des guadeloupéens", nous offre à travers le tableau de ce qu'a été le passage du statut de colonie à celui de département d'outre-mer, une réflexion sur l'identité, la liberté et le monde Caraïbe.

De vétustes planches de bois au centre d'un grand espace vide, une charrette arrêtée dans le coin à droite…à gauche, une table basse et posé dessus, un marteau, pour le juge. C'est dans ce décors dépouillé et frontal que Rosanne, Marianne, Rosalinde, Larousse et Rosemarie évoquent, à la manière des conteuses d'Afrique, le procès des 18 Guadeloupéens. Assurant la transmission de la mémoire de leur peuple, les cinq femmes, jonglant avec les différents protagonistes de cette tragédie, racontent avec leur propre sensibilité, le destin de ces hommes de résistance et de liberté, leur lutte contre la main mise française et sa violence.

Elles nous parlent de cet événement de leur histoire que nous ignorons tous plus ou moins, et nous répètent l'oppression, l'aliénation, le sang parfois et la mort.

La Soufrière est ce volcan Guadeloupéen qui fulmine en elles, prêt à vomir sa lave sur l'inhumain ; elle évoque cette souffrance poignante de l'esclave qui transparaît dans la virulence de leurs mots et dans leur lutte passionnée. Solidaires, ces femmes que tout semble éloigner de la politique, se retrouvent seules pour nous dire le calvaire de leur terre, la négation de leurs ancêtres, la prédominance du blanc sur le noir. L'homme se bat, la femme dénonce et partage passionnément par le verbe cette lutte éternelle contre l'injustice et l'oppression. Tour à tour, incarnant Georges B., 28 ans, instituteur, ou encore Ferdinand R., 34 ans, ouvrier, elles tentent de mettre en scène de la manière la plus juste et la plus réaliste le procès de ces 18 guadeloupéens accusés de porter atteinte à l'intégrité territoriale de la France par leur appartenance au GONG ( Groupe d'Organisation Nationale de la Guadeloupe).

Ce n'est pas tant l'issue du procès, qui se solde d'ailleurs par un verdict de clémence, qui importe, mais bien plus toutes les aberrations et les injustices qu'il révèle à travers les revendications outrées des accusés. Il soulève très concrètement le problème de la départementalisation de la Guadeloupe, qui sous couvert d'aide économique et d'organisation politique, a imposé son joug colonial en exigeant, parfois par la violence, les travaux, l’obéissance et l’assimilation à l'Histoire nationale. La Soufrière est un cri de révolte contre une identité imposée, les arrachant à leurs racines culturelles.

L'entreprise est de taille ; sensibiliser le public de théâtre aux problèmes politiques des DOM n'est pas chose aisée et l' on ne peut pas dire que le sujet soit brûlant d'actualité, ni présent à l'esprit de tout un chacun. L'interprétation des cinq comédiennes est assez statique et frontale. Il y peu de mouvements; du petit tabouret à la charrette, il n'y a guère que quatre pas à faire. Cette quasi immobilité des acteurs assimile la scène à une sorte de tableau vivant de la Guadeloupe dans les années 70, sur lequel défilerait une bande son énergique et violente. Car s'il est vrai que le mouvement est discret, les voix elles sont criardes, revendicatrices et passionnées.

On peut reprocher à cette mise en scène un certain manque de nuance: les voix sont également trop fortes, les intonations des femmes peu variées et les visages se déforment pareillement sous la prononciation appuyée des mots. Si l'on peut voir toute leur émotion et toute leur ardeur, on ne peut s'empêcher de trouver cela, par instant monotone, sans doute parce que le style du "théâtre-propagande" porte en lui un réel souci pédagogique. Le spectateur sort interpellé, un peu abruti par sa propre ignorance et désireux d'aller relire tout cela dans des bouquins d'histoire afin de se forger un avis objectif…Il faut souligner que tenir un texte de cette densité pendant une heure et quart relève du défi et l'on sent derrière l'arrogance des mots et les sourires des saluts la mesure de cet investissement. C'est une pièce pour spectateur averti, une pièce pour ceux que les luttes pour les droits de l'Homme et la liberté interpellent.

Je ne peux m'empêcher de glisser un dernier mot sur le lieu lui même, tant l'épée de bois est un théâtre formidablement agréable et chaleureux. Si vous arrivez une heure avant le spectacle, vous êtes accueillis et servis par les acteurs en personne, costumés et imprégnés de leur personnage. La salle est magnifique, le bar accueillant, la nourriture relativement peu chère…le tout sur un petit fond sonore créole…une mise en condition radicale et exquise.

Au bout de cette performance, les acteurs nous ont offert une tranche d’humanité, parfois détestable, parfois détestée. Le rôle de Jean-Marc Avocat est de nous rassurer sur la nature humaine. Tout ceci nous apparaît finalement comme une supercherie. Parfois psychanalyste, parfois Dieu, jamais commissaire, il réalise avec humour et habileté, l’équilibre d’Ariane. Grâce à lui, la vie sur terre semble enfin possible pour elle. Il n’y a de crime que devant la loi et lui saura pardonner.

Épithalame
l'Origine rouge, à STRASBOURG - Le Maillon
par Eléonore van den Bogart

Parce que les mots ici sont de chair et de sang et qu’ils nous parlent à nous, être de chair et de sang, parce que nous assistons en direct à un tourbillon de couleurs et de sentiments humains, malgré le u-monde et le e-moi, L’origine Rouge, c’est avant tout du spectacle vivant, à l’état pur.

La pièce va alors être l'histoire d'une prise de conscience. Les deux générations finissent par tenter de cohabiter sous le même toit pendant un mois. Cette période va se révéler fructueuse pour chacun, même si les "vannes " fusent à grande vitesse entre l'Arabe et l'une des deux sœurs jouée avec conviction par Marthe Mercadier. Ce dernier personnage va se rendre compte que sa vie n'est que misère. Elle non plus, n'a pas eu de chance. Alors pourquoi ne pas aimer et donner aujourd'hui ? Pourquoi ne pas transformer la souffrance en bonheur? Le choc de ces deux planètes débouche sur un fantastique cocktail d'optimisme et de tendresse. Ne vous méprenez pas toutefois : le show ne tombe jamais dans le " soap " et le psychodrame. Car la comédie est tendre et ancrée dans la vie réelle. Certes, elle nous renvoie directement aux dures réalités d'aujourd'hui mais toujours avec humour pour notre plus grand plaisir de spectateur.